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Mis blogs son Altamira (Historia del Arte, Cine, Cómic, Fotografía, Moda), Heródoto (Actualidad, Ciencias Sociales y Pensamiento) y Mirador (Joan Miró, Arte y Cultura Contemporáneos).y Pensamiento, Religión y Teo

jueves, 22 de junio de 2017

Cine: Películas (2017).

CINE: PÉLÍCULAS (2017).

El fundador (2017), de John Lee Hancock.
El guardián invisible (2017), de Fernando González Molina.
El otro lado de la esperanza (2017), de Aki Kaurismaki.
Es por tu bien (2017), de Carlos Therón.
Guardianes de la galaxia, vol. 2 (2017), de James Gunn.
Jackie (2017) de Pablo Larraín.
Kong: la isla calavera (2017), de Jordan Vogt-Roberts.
La momia (2017), de Alex Kurtzman.
Negación (2017), de Mick Jackson.
Rey Arturo. La leyenda de la espada (2017), de Guy Ritchie.

Wonder Woman (2017), de Patty Jenkins.
Z, la ciudad perdida (2017), de James Gray.

El fundador (2017), de John Lee Hancock.*

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El guardián invisible (2017), de Fernando González Molina.*

Resultado de imagen de El guardián invisible (2017). Montaje: .

El otro lado de la esperanza (2017), de Aki Kaurismaki.*

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Es por tu bien (2017), de Carlos Therón.*

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Guardianes de la galaxia, vol. 2 (2017), de James Gunn.*

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Jackie (2017) de Pablo Larraín.
Jackie (2017). EE UU. Género: biografia. Duración: minutos. Dirección: Pablo Larraín. Intérpretes: Natalie Portman.
Crespo, Irene. Natalie Portman. “El País” S Moda 222 (II-2017).

Kong: la isla calavera (2017), de Jordan Vogt-Roberts.*

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La momia (2017), de Alex Kurtzman.*

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Negación (2017), de Mick Jackson.
Negación (2017). Reino Unido. Dirección: Mick Jackson. Duración: 109 minutos. Intérpretes: Rachel Weisz, Timothy Spall, Tom Wilkinson.
Reseña de Antón, Jacinto. La mujer que destruyó al arrogante vocero de los neonazis. “El País” (12-IV-2017). La historiadora Deborah Lipstadt desenmascaró al escritor negacionista y neonazi David Irving y su juicio inspira el film ‘Negación’.

Rey Arturo. La leyenda de la espada (2017), de Guy Ritchie.
Rey Arturo. La leyenda de la espada (2017). Género: aventuras. Duración: minutos. Dirección: Guy Ritchie. Intérpretes: Charlie Hunnam, Astrid Bergès-Frisbey, Jude Law, Djimon Honsou, Aidan Gillen, Eric Bana. Guión: Joby Harold. Música: . Fotografía: John Mathieson. Montaje: James Herbert.
La historia de cómo Arturo, tras sacar la espada de la piedra, asumió su destino como rey de Inglaterra en una época de peligros, horrores y misterios.

Wonder Woman (2017), de Patty Jenkins.*

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Z, la ciudad perdida (2017), de James Gray.*

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Wonder Woman (2017), de Patty Jenkins.

Wonder Woman (2017), de Patty Jenkins.

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                                    Tráiler oficial en inglés. Tres minutos.

Wonder Woman (2017). EE UU. Género: superhéroes. Duración: minutos. Dirección: Patty Jenkins. Intérpretes: Gal Gadot, Chris Pine, Robin Wright, Danny Huston, David Theliss, Connie Nielsen. Guión: Zack Snyder, Allan Heinberg, William Moulton Marston, Jason Fuchs, sobre el cómic de 1941. Música: Rupert Gregson-Williams. Fotografía: Matthew Jensen. Montaje: Martin Walsh.

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La isla de Themyscira, protegida por la magia, acoge a una tribu de amazonas. Diana (Gadot) es una joven guerrera, hija de Zeus y hermana de Ares, criada como princesa guerrera para ser una luchadora invencible. Durante la Gran Guerra el piloto Steve Trevor (Pine) se estrella en la isla y Diana le salva. Poco después ambos parten para enfrentarse a los alemanes y a Ares, corriendo grandes aventuras.

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La crítica se ha rendido casi unánimemente a esta película porque reúne todos los elementos del género y los funde con estilo y diversión. A verla pronto, pues, y ya les contaré.

FUENTES.
Ayuso, R. Wonder Woman, mucha mujer. “El País” (31-V-2017). Escándalo por una promoción casi exclusivamente femenina.
McCausland, Elisa. El poder es de ellas. “El País” Tentaciones 26 (VI-2017). Auge de las superheroínas, com muestra el éxito de Wonder Woman.
Crespo, Irene. Gal Gadot. La mujer maravilla que necesitábamos. “El País” Tentaciones 26 (VI-2017).
Pozzi, S. Gal Gadot. ‘La gente acabará admirando a los personajes femeninos fuertes’. “El País” (7-VI-2017).
Belinchón, G. Superheroínas para un (paritario) siglo XXI. “El País” (7-VI-2017).
Ayuso, R. Hollywood se hace mujer. “El País” (23-VI-2017). Un enorme éxito comercial hasta la fecha.

Costa, Jordi. Contra la importancia. “El País” (23-VI-2017). Muy positiva.

El otro lado de la esperanza (2017), de Aki Kaurismaki.

El otro lado de la esperanza (2017), de Aki Kaurismaki.

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                               Tráiler en inglés, subtitulado en español. Dos minutos.

El otro lado de la esperanza (2017). Toivon tuolla puolen. Finlandia. Género: drama. Duración: 98 minutos. Dirección: Aki Kaurismaki. Intérpretes: Sherwan Haji, Sakari Kuosmanen, Likka Koivula. Guión: Aki Kaurismaki. Música: Tuomari Nurmio. Fotografía: Timo Salminen.

La capital finlandesa sufre la crisis económica y el maduro Wikhström decide cambiar su vida y abrir un restaurante en Helsinki. Por el contrario, Khaled es un joven refugiado sirio que llega a la ciudad buscando a su hermana y cuando su solicitud de asilo es rechazada decide quedarse desafiando las normas. Una tarde ambos se encuentran y Wikhström decide ayudarle.

Un film arriesgado y comprometido sobre el drama de los refugiados, con diálogos escuetos, interpretaciones estólidas pero adecuadas y una cámara que pinta Helsinki de fantasmagoría.

FUENTES.
Bono, Ferran. Aki Kaurismaki / Cineasta. ‘Somos los parias de la tierra porque no lo sabemos’. “El País” (2-IV-2017).
Boyero, Carlos. Kaurismaki: lo tomas o lo dejas. “El País” (7-IV-2017). Una reseña muy positiva.


La momia (2017), de Alex Kurtzman.

La momia (2017), de Alex Kurtzman.

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                             Tráiler oficial en español.

La momia (2017). The Mummy. EE UU. Género: fantasía y terror. Duración: 120 minutos. Dirección: Alex Kurtzman. Intérpretes: Tom Cruise, Sofia Boutella, Annabelle Wallis, Russell Crowe, Jake Johnson, Courtney B. Vance. Guión: David Koepp, Christopher McQuarrie, Dylan Kussman, sobre una historia de Jon Spaihts, Alex Kurtzman y Jenny Lumet. Música: Brian Tyler. Fotografía: Ben Seresin. Montaje: Paul Hirsch.

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Dos buscadores de tesoros, Nick Morton (Cruise) y Vail (Johnson) encuentran en el desierto la tumba de la malvada princesa-maga egipcia Ahmanet (Boutella), vuelve a la vida con la intención de apoderse del mundo. Pero Morton se interpone…

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Una película de horror que es un desastre para la mayoría de la crítica y una gozada para una minoría. Desequilibrada e irregular, sí. Abrumadora en sus efectos especiales, sí. Con algunas interpretaciones desafortunadas (no la de Cruise, que no acostumbra fallar), sí. Un homenaje a los clásicos, sí. Un guión que se mueve a saltos entre el estrépito y lo cansino, sí. Un entretenimiento pasable del verano, sí. No pasará a la historia del cine pero recuperará de sobra la inversión y una gran parte del público se lo pasará muy bien. Pero a los cinéfilos clásicos les quedará un regusto amargo de lo que pudo ser y no fue. 

FUENTES.


Ayuso, R. ‘La momia’ argelina que encandila a Hollywood. “El País” (12-VI-2017). La actriz Sofia Boutella interpreta a la princesa egipcia.

domingo, 18 de junio de 2017

CINE: PELÍCULAS (1998).

¿Conoces a Joe Black? (1998), de Martin Brest.
Pleasantville (1998) de Gary Ross.
Salvar al soldado Ryan (1998), de Steven Spielberg.

¿Conoces a Joe Black? (1998), de Martin Brest.

Pleasantville (1998) de Gary Ross.

Salvar al soldado Ryan (1998), de Steven Spielberg.

¿Conoces a Joe Black? (1998), de Martin Brest.

¿Conoces a Joe Black? (1998), de Martin Brest.

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                             Tráiler en español. Tres minutos.

¿Conoces a Joe Black? (1998). Meet Joe Black? EE UU. Género: fantasía. Duración: 138 minutos. Dirección: Martin Brest. Intérpretes: Anthony Hopkins, Brad Pitt, Claire Forlaine, Marcia Gay Harden, Jack Weber, Jeffrey Tambor. Guión: Bob Goldman, Jeff Reno, Kevin Wade, sobre una obra teatral del italiano Alberto Casella, La morte en vacanze (1924). Música: Thomas Newman. Fotografía: Emmanuel Lubezki. Montaje: Michael Tronick y Joe Hutshing.

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Un magnate de los medios de comunicación, William Parrish (Hopkins), al fnal de sus días recibe la visita de la Muerte, que desea experimentar qué es la vida y se reencarna en un joven (Pitt), que toma el nombre de Joe Black. Pronto se enamora de Susan, la hija menor de Parrish, al mismo tiempo que se desarrolla una conspiración para apoderarse de la empresa.

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Esta versión de La muerte de vacaciones (1934), uno de los films más recordados de Fredric March, consigue entretener porque la historia tiene cierta fuerza filosófica y contiene algunos momentos convenientemente lacrimógenos, apoyándose en el trío de actores principales (Hopkins, Pitt y Forlaine), y en un elenco de secundarios en el que destaca el siempre excelente Tambor en el papel del yerno poco inspirado del empresario.

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A mencionar que Pitt y Forlaine fueron pareja un tiempo en la vida real al acabar la película y se nota la química entre ambos, y también que fueron injustas las críticas de entonces a Pitt (en lo mejor de su juventud, cuando era idolatrado por el público femenino) por su estolidez, porque su papel requería cierto distanciamiento y lo cumplió. 

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La fotografía y la música son de indiscutible calidad. Pero el conjunto adolece de falta de ritmo y exceso de melodrama, y desaprovecha sus cuantiosos recursos en planos carentes de rigor conceptual (apenas hay simbolismos en las tomas) y diálogos a menudo insulsos que desentonan en la progresión del drama. El mejor momento del director es un fuera de campo casi al final, tras una subida por unas escaleras, pero se desvanece acto seguido en una escena banal de enamorados sin auténtica tensión emocional. En resumen, apenas un aprobado largo para lo que debía ser una de las mejores películas del año.

Fragmento de la partitura de Newman. Seis minutos.

FUENTES.

sábado, 17 de junio de 2017

Películas (1942): Me casé con una bruja (1942), de René Clair.

CINE: PELÍCULAS (1942).

Me casé con una bruja (1942), de René Clair.

Me casé con una bruja (1942), de René Clair.*

Me casé con una bruja (1942), de René Clair.

Me casé con una bruja (1942), de René Clair.

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                              Tráiler, en inglés. Dos minutos. 

Me casé con una bruja (1942). I Married a Witch. EE UU. Género: comedia de fantasía. Duración: 78 minutos. Dirección: René Clair. Intérpretes: Fredric March, Veronica Lake, Robert Benchley, Susan Hayward, Cecil Kellaway, Elizabeth Patterson, Robert Warwick. Guión: Robert Pirosh, Marc Connelly y René Clair, sobre novela de Thorne Smith y Norman Matson. Música: Roy Webb. Fotografía: Ted Tetzlaff.

En la Nueva Inglaterra del siglo XVII dos brujos, padre e hija, son quemados por los puritanos y lanzan una maldición sobre su acusador. 270 años después un rayo libera sus almas y la hija se encarna para poder dañar al descendiente de su perseguidor, el político Wallace Wooley, en plena campaña electoral y a punto de casarse. Pero la magia va por recovecos insospechados…

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Una deliciosa comedia en blanco y negro del gran René Clair. Fue un gran éxito en su época y siempre ha gustado en sus reposiciones en televisión. March era un actor inconmensurable que dotaba de credibilidad a todo lo que hacía. Lake estaba en el mejor momento de su breve carrera, convertida en un ‘sex symbol’ de los soldados norteamericanos. Los secundarios, con un historial magnifico, están acertados, y destaca por su fama posterior una casi debutante Susan Hayward.


FUENTES.

De profundis (2007), de Miguelanxo Prado.

De profundis (2007), de Miguelanxo Prado.

                              Tráiler. Un minuto. 

                              Tráiler musical. 3 minutos. Intérpretes: Ainhoa Arteta y Carmen Rey.

De profundis (2007, realizado en 2006). España. Género: animación. Duración: 80 minutos. Dirección: Miguelanxo Prado. Música: Nani García. 

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Trama.
Una mujer espera a su amor, un marinero que sueña con viajar por los mares y conocer lo oculto y lo misterioso.

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Opinión.
El debut como director del dibujante Miguelanxo Prado fue impactante. Basado en un texto de Oscar Wilde y un relato del gran escritor portugués José Cardoso Pires, compuso unas 20.000 imágenes creadas a mano, con variadas técnicas, y las engarzó en una historia poética de insólita belleza, ambientada en un mar que es fuente de vida más allá de lo inevitable de la muerte, entre el sueño y la pesadilla. Nunca sabemos si hay un atisbo de realidad en este fantasmagórico viaje sentimental, pero sus imágenes están llenas de verdad.

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Fuentes.

Redacción. ‘Películas’. De profundis. “El País” (13-II-2012) 54.

jueves, 15 de junio de 2017

María Antonieta (2006), de Sofia Coppola.

María Antonieta (2006), de Sofia Coppola
María Antonieta (2006). Dirección: Sofia Coppola. Intérprete: Kirsten Dunst. Guion: Sofia Coppola. Fotografía: Lance Acord. Montaje: Sarah Flack. Vestuario: Milena Canonero.


                                    Tráiler, subtitulado en portugués. 2 minutos.  

La trágica historia de la princesa austriaca, después reina polémica, en la lujosa corte francesa de Versalles en los años previos a la Revolución sirve a la directora para fantasear sobre la necesidad de amar, el gusto cortesano (el vestuario es de una calidad excepcional y está espléndidamente fotografiado), la ambición y vanidad de los nobles..., y la soledad en la cumbre.

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Sofia Coppola logra una notable creación estética, pero obvia la lectura histórica y cae en una frialdad en la narrativa, tal vez intencionada, pero que no casa con la aventura de un personaje que se prestaba a una apasionada lectura romántica. El melodrama, ese parece el destino al que se aboca este personaje tan contradictorio y fascinante.

                                   Fragmento de la banda musical. 3 minutos.

Otro punto flaco del film es la confluencia de música barroca y punk, como si se pretendiera enlazar artificiosamente los sentimientos de una mujer del siglo XVIII con los de la mujer posmoderna. No era necesario ese juego pues el amor y el miedo son intemporales.


No obstante, Kirsten Dunst, magnífica en su progresión hacia la madurez interpretativa, borda su personaje de mujer al filo de la navaja y salva la función.

Fuentes.
Internet.
Artículos.
Fernández Santos, Elsa. Guillotina con diamantes. “El País” (5-I-2007) 46.
Ocaña, Javier. Sinfonía pop. “El País” (5-I-2007) 46.

sábado, 10 de junio de 2017

Cielo amarillo (1948), de William A. Wellman.

Cielo amarillo (1948), de William A. Wellman.

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                              Tráiler.

Cielo amarillo (1948). Yellow Sky. EE UU. Género: western. Duración: 94 minutos. Dirección: William A. Wellman. Intérpretes: Gregory Peck, Anne Baxter, Richard Widmark, Robert Arthur, John Russell, James Barton, Harry Morgan, Charles Kemper. Guión: Lamar Trotti (también productor), sobre una historia de W. R. Burnett. Música: Alfred Newman. Fotografía: Joseph MacDonald. Montaje: Harmon Jones.


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Poco después del fin de la Guerra Civil, una banda de veteranos roba un banco y, pronto perseguida, se adentra en el desierto hasta llegar a un poblado minero abandonado, en el que encuentran a un padre y su joven nieta. Enseguida se desatarán las pasiones de la avaricia  la lujuria y el amor.

Una explicación de la película por el hijo del director. 5 minutos.

Una de las películas del Oeste más notables de los años de la posguerra, de las que se ven cada cierto tiempo y siempre entusiasman a los amantes del género. Un ritmo pausado pero creciente que nos lleva a un enfrentamiento inevitable, en una secuencia de una calidad excepcional. Sus recursos son excelentes: un director (Wellman) en plena madurez, dos inmensos actores masculinos (Peck y Widmark) que forjan un duelo interpretativo no desprovisto de un aliento de tragedia, una notable actriz (Baxter) que ya había ganado un Oscar, una fotografía y una partitura insuperables... 

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Pero es además una profunda reflexión sobre las pautas del género: el pueblo fantasma (se rodó en el Valle de la Muerte y en Lone Pines, ambos lugares en California, aunque se pretende que la acción transcurre es Nevada) es un paisaje infinito pero a la vez claustrofóbico, en el que se adensan los sentimientos hasta depurarlos con extrema concisión temporal, y la huida de los forajidos les lleva físicamente por el mismo camino pero a través de dos rutas íntimas muy distintas, para unos la salvación, para los otros la muerte. 

FUENTES.

viernes, 9 de junio de 2017

¡Esto es la Marina! (1951), de Henry Hathaway.

¡Esto es la Marina! (1951), de Henry Hathaway.

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¡Esto es la Marina! (1951). You are in the Navy now! EE UU. Género: comedia bélica. Duración: 89 minutos. Dirección: Henry Hathaway. Intérpretes: Gary Cooper, Jane Greer, Millard Mitchell, Eddie Albert, John McIntire, Jack Webb, Ed Begley, Charles Bronson, Lee Marvin, Jack Warden. Guión: Richard Murphy, sobre un artículo de John W. Hazard. Música: Cyril Mockridge. Fotografía: Joseph MacDonald.

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El teniente (Gary Cooper), nuevo capitán del barco.

En 1942 la Armada estadounidense prueba un nuevo motor de vapor en una patrullera pero alista una tripulación inexperta, al mando del teniente John Harkness (Cooper), un ingeniero sin experiencia naval. Los desastres se suceden, pero irán aprendiendo hasta ¿triunfar? en el experimento.

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El contramaestre (Millard Mitchell) dirigiéndose a uno de sus marineros.

Una regular pero agradable comedia de propaganda en plena guerra de Corea que, basada en hechos reales un decenio antes, intenta convencer al público de que los civiles inexpertos pueden convertirse en guerreros eficaces. Un director extraordinario como Hathaway consigue imponer un ritmo sin grandes desfallecimientos en esta obra menor, ayudado por las buenas interpretaciones de un elenco con algunos actores de renombre, encabezados por un Cooper pocos meses antes de su cumbre de Solo ante el peligro, y un relleno impresionante de figuras en ciernes que pronto serían estrellas (Bronson, Marvin, Warden…) aunque aquí solo aparecen unos minutos.


FUENTES.

jueves, 8 de junio de 2017

'Cuestión de honor' (2008), de Gavin O'Connor.

'Cuestión de honor' (2008), de Gavin O'Connor.


                                     Tráiler en español. 3 minutos.

Cuestión de honor (2008). Pride and Glory. EE UU. Género: drama policiaco. Duración: 130 minutos. Dirección: Gavin O’Connor. Intérpretes: Edward Norton, Colin Farrell, Noah Emmerich, John Voigt, Jennifer Ehle. Guión: Gavin O’Connor y Joe Carnahan. Música: Mark Isham. Fotografía: Declan Quinn. Montaje: Lisa Zeno Churgin y John Gilroy.

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Trama.
Cuatro policías de la comisaria 31 de Nueva York son asesinados durante una detención. Una familia de policías, muy respetada en el cuerpo, ha de descubrir la verdad. Frank Jr. Tierney, el hijo mayor (Emmerich), cuya esposa (Ehle) padece un cáncer terminal, es el jefe de la comisaria, y su cuñado Jimmy es compañero de los fallecidos. El padre, Frank Tierney (Voigt), es el jefe de detectives, y le pide a su otro hijo, Ray (Norton), en trance de divorcio, que participe en la investigación. Pronto Ray sospechará que su familia está demasiado involucrada, y en el curso de sus pesquisas retornarán las miserias del pasado y asomarán nuevas traiciones.

Opinión.
Una película sobria y desasosegante, con un potente ritmo visual y una fotografía plena de matices psicológicos. La crítica la ha emparentado con las obras de los maestros Scorsese, Lumet y Penn, a lo que no es ajeno que a cargo del montaje esté el gran John Gilroy, el mismo montador de la reciente El legado de Bourne, pero el director, O’Connor, ya había demostrado en sus obras anteriores el mismo gusto por el mejor cine policiaco y consigue en esta un complejo equilibrio, un convincente clasicismo, apoyado en actores excelentes y un guión basado en una magistral novela negra de George V. Higgins (Massachussetts, 1939-1999).

Fuentes.
Internet.
Artículos.
Redacción. ‘Las películas’. Cuestión de honor. “El País” (26-VIII-2012) 62. Muy positiva.

domingo, 4 de junio de 2017

Comentario: El Juramento de los Horacios (1784), de David.

Comentario: El Juramento de los Horacios (1784), de David.

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El Juramento de los Horacios (1784), un óleo sobre tela (330 x 425) de la colección del Louvre de París, es una obra maestra del estilo neoclásico. Jacques-Louis David (1748-1825) realiza una pintura de gran formato, apropiado para un tema épico tomado de la historia de la antigua Roma.

El tema.
El tema surge de un hecho histórico ocurrido en 669 aC y contado por Tito Livio en su libro Ab Urbe condita libri, y adaptado para una barroca adaptación teatral en el Horacio (1640) de Pierre Corneille.
Los tres hermanos Horacios, en el lado izquierdo del cuadro, juran ante su padre, en el centro, defender la ciudad de Roma en un combate crucial contra tres hermanos de la vecina ciudad enemiga, Alba Longa. Ambas ciudades, hermandadas por la vecindad y el comercio, pero de intereses contrapuestos, han decidido no combatir con sus ejércitos sino escogiendo cada una tres hermanos campeones que decidirán la suerte de la guerra en un duelo decisivo. A la derecha, las tres mujeres y dos niños de la familia lloran por el peligro que corren los tres jóvenes, y dos de ellas más tristemente porque una, Sabina, vestida de toga marrón, es una hermana de los Curiacios casada con un Horacio, y otra, Camila, ataviada con una toga blanca, está prometida con otro Curiacio. La otra mujer es una aya, que cuida del hijo y la hija de Sabina.
La escena no sugiere el resultado final: iniciado el combate, dos Horacios mueren, y el tercero arroja su escudo y corre ligero, perseguido por los Curiacios totalmente armados hasta que estos se agotan y separan. Entonces el superviviente, más descansado, se enfrenta a cada uno en combate individual y los vence.
Regresa como vencedor pero en su casa encuentra a su hermana Camila gimiendo por la muerte de sus hermanos y a la vez reprochándole haber matado a su amado Curiacio. Enfurecido, el hermano la mata. La ley de Roma es implacable: los fratricidas deben morir. El padre implora clemencia: ha entregado todos sus varones a la causa de la ciudad y ahora toda su estirpe perecerá. Conmovido, el Senado perdona la vida al último hijo.

Análisis.
Los referentes artísticos son evidentes: la estatuaria y la cerámica de la Antigüedad de Grecia y Roma.

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El escenario, de escasa profundidad y enmarcado por una clásica arcada de columnas toscanas y tres arcos de medio punto y un pavimento de geométrica regularidad, ayuda a concentrar nuestra atención en la escena del primer plano. Enhiesto en el centro, el padre, de rostro severo, afronta un destino que imagina aciago: morirán sus hijos o sus yernos. Sostiene las tres espadas que bendice a punto de entregarlas a sus tres hijos, creando una composición equilibrada entre los grupos a izquierda y derecha, incluso balanceados en masas y colores, con triángulos que refuerzan la sensación de estabilidad y serenidad pese al dramatismo implícito en el tema. Los hijos se yerguen en una composición corporal de rígidos triángulos engarzados en una sólida unidad, con una sutil perspectiva diagonal y aérea que enfatiza  su común propósito, su juramento con los brazos extendidos y la palma abajo, enfocado al perfecto punto de fuga, la mano del padre sosteniendo las espadas.

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El grupo secundario de mujeres y niños a la derecha está en un nivel inferior. Las dos mujeres de la derecha, de cuerpos curvilíneos en oposición a los rectilíneos de sus hermanos, tienen los ojos cerrados y adoptan poses entregadas a su destino fatal, asumiendo un papel pasivo en vida ciudadana, tal como la filosofía ilustrada les concedía: sus valores son individuales o familiares, no cívicos. 


Incluso la pequeña hija cierra los ojos, mientras el pequeño infante los abre encarando el destino. Aunque pronto Olimpia de Gouges y otras feministas avanzadas reivindicarán un papel para ellas más activo en la revolución, incluso al precio de sus vidas.

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El cuidado trabajo de reproducción del vestuario y calzado, y el minucioso estudio anatómico, patente en la carnal musculatura, satisface igualmente la pasión neoclásica por la ciencia y el ejemplo del realismo idealizado del clasicismo antiguo y del Renacimiento. El colorido es suave ya relativamente variado, de notable calidad pues David era un consumado colorista aunque su predilección era el dibujo, como se advierte aquí en el esmero de las líneas.

Contexto.

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Vista de la sala central del Salon de 1785, con el cuadro de David colgado en el centro en la parte superior.

El cuadro fue encargado por el rey Luis XVI para que sirviera como un alegato de lealtad al Estado, sin advertir que en realidad socavaba las bases ideológicas del absolutismo. Se expuso en el Salón de 1785, con un inmediato y sonado éxito, causando asombro por la novedad de su tema y tratamiento, rompiendo con el gusto rococó de Boucher o Fragonard predominante hasta entonces, de acuerdo al gusto de la aristocracia.
El nuevo público burgués se sintió representado por el neoclasicismo, que realzaba los valores de la Antigüedad grecorromana: el valor individual unido al esfuerzo colectivo en bien de la comunidad, la ciudad-Estado, como demandaba el filósofo y crítico de arte Diderot, y encajaba en el pensamiento de otros ilustrados como Voltaire o Rousseau. El pensamiento racional iluminaría las tinieblas en las que vivía la tradición, sustituyendo el mito por la razón, la opresión por la justicia, y la desigualdad estamental por la igualdad basada en el mérito (y la riqueza). Pronto, en 1789 llegó la Revolución Francesa para barrer el Antiguo Régimen e iniciar el mundo contemporáneo. El mensaje de sacrificio del Juramento de los Horacios sería un ejemplo para los artistas posteriores, como mostrará el propio David, un revolucionario que llegará a votar a favor de la ejecución del rey, en otra de sus obras maestras, la Muerte de Marat (1793).

FUENTES.
Internet.

David, Oath of the Horatii. Comentario en inglés por Beth Harris y Steven Zucker. 6 minutos.