Mis blogs

Mis blogs son Altamira (Historia del Arte, Cine, Cómic, Fotografía, Moda), Heródoto (Actualidad, Ciencias Sociales y Pensamiento) y Mirador (Joan Miró, Arte y Cultura Contemporáneos).y Pensamiento, Religión y Teo

jueves, 29 de agosto de 2013

El artista hispano-italiano José de Ribera.

El artista hispano-italiano José de Ribera.


Gragera de León, Flor. Luz sobre el joven José de Ribera. “El País” (9-VII-2013) 37. El Prado expone su San Jerónimo, de 1615.

El artista holandés Vermeer.

El artista holandés Vermeer.

*<Vermeer>. Londres. National Gallery (2013). Cinco pinturas de Vermeer y treinta de otros artistas (Gerard ter Borch, Pieter de Hooch, Gabriel Metsu, Godfried Schalcken, Jan Steen…) holandeses del Barroco sobre el tema de la música. Comisaria: Betsy Wieseman. Reseña de García, Ángeles. Así pintaba Vermeer la música. “El País” (26-VI-2013) 45.

La artista británica Tacita Dean (1965).

La artista británica Tacita Dean (1965).

[http://www.theguardian.com/artanddesign/jonathanjonesblog+tacita-dean]
Tacita Dean (Canterbury, 1965), artista visual (o de la imagen en película).
Establecida desde 2000 en Berlín con su marido, el artista Matthew Hale, y su hijo Rufus, nacido en 2005. Le diagnosticaron en 1992 una artritis reumatoide que progresivamente la va incapacitando para andar.
Formada en la Slade School de Londres, hizo su tesis doctoral sobre su admirado Cy Twombly. Fue finalista del Turner Prize en 1998 y celebró una primera retrospectiva en la Tate Britain en 2000. Ha realizado unas cuarenta obras en películas de 16 mm (ocasionalmente en 35 mm, como en FILM de 2010 en la Tate Modern), un formato que teme que pronto quedará obsoleto por el triunfo del digital, aunque también utiliza otros medios como pintura, dibujo, fotografía, objets trouvés
Destaca entre su última producción la serie Five Americans, de films y fotografías sobre los creadores en sus talleres, con Leo Steinberg, Merce Cunningham, Cy Twombly, Claes Oldenburg y Julie Mehretu, y que expuso en el New Museum de Nueva York en 2012, y que refleja su interés por lo pequeño y anecdótico, como reflejo auténtico de la vida y la creación más pura.

Fuentes.
Internet.
[http://es.wikipedia.org/wiki/Tacita_Dean]
Artículos.
Collera, Virginia. Pintora de la evanescencia. “El País” Babelia 1.129 (13-VII-2013) 3-4.
De Diego, Estrella. Quebradizo y sutil. “El País” Babelia 1.129 (13-VII-2013)5.

Arquitectura Contemporánea: Italia. Gae Aulenti (1927-2012)...

ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA: ITALIA.

ARQUITECTOS.

La arquitecta italiana Gae Aulenti (1927-2012).
La arquitecta italiana Gae Aulenti fallece a los 85 años de edad
[http://www.abc.es/20121101/cultura-arte/abci-fallece-arquitecta-aulenti-201211011238.html]
Gae Aulenti, experta en modernización y restauración de edificios públicos (el Palazzo Grassi de Venecia, el Quai d'Orsai de París o el MNAC de Barcelona), fue una profesora y arquitecta eminente, que abrió camino a las generaciones siguientes de arquitectas, derribando obstáculos hacia su plena igualdad.
Fuentes.
Internet.
[http://es.wikipedia.org/wiki/Gae_Aulenti]
Artículos.
Geli, Carles. Fallece Gae Aulenti, ‘madre’ del MNAC. “El País” (2-XI-2012) 45. Tagliabue, Benedetta. Gae Aulenti, genio en la arquitectura. “El País” (3-XI-2012) 53.

El arquitecto italiano Paolo Marconi (1933-2013).
Herrero de Jáuregui, Amaya. Obituario. Paolo Marconi, el guarda de la belleza de Roma. “El País” (22-VIII-2013) 37. Paolo Marconi (1933-2013), arquitecto y profesor experto en restauración del patrimonio histórico-artístico.

El arquitecto italiano Renzo Piano (1937).
Renzo Piano (Génova. 1937).
Lucchini, Laura. Renzo Piano / Arquitecto. “Sólo las cavernas resisten los ataques”. “El País” (11-III-2007) 53-55.
Fernández Santos, Elsa. Santander persigue el ‘efecto Bilbao’. “El País” (20-VI-2012) 42. Renzo Piano explica su proyecto para el Centro Botín, un edificio para la cultura de la Fundación Botín.
Zabalbeascoa, A. Piano: de la gran a la pequeña escala. “El País” (24-VI-2013) 41. El arquitecto italiano culmina una vivienda mínima en el Vitra Campus.
Zabalbeascoa, A. El pequeño Pompidou. “El País” El Viajero 799 (21-II-2014) 10. El edificio fabril de B&B en Novedrate (cerca de Milán), de Renzo Piano y Richard Rogers, un precedente inmediato del Centre Pompidou.
Fernández, Milena. La periferia del senador Piano. “El País” Semanal 1.976 (10-VIII-2014) 40-45.
El arquitecto italiano Aldo Rossi (1931-1997).
Rossi, Aldo. La arquitectura de la ciudad. Gustavo Gili. Barcelona. 1982 (1969). 309 pp. Sobre la “Ciencia Urbana”.
Scully, Vincent (introducción); Moneo, Rafael (epílogo); Andrews, Mason (textos de proyectos). Aldo Rossi. Obras y proyectos. Gustavo Gili. Barcelona. 1986 (1985). 320 pp.

El arquitecto y urbanista italiano Bernardo Secchi (1934-2014).
Bernardo Secchi (Milán, 1934-2014), arquitecto y urbanista.

Mangada, Eduardo. Obituario. Bernardo Secchi, urbanista. “El País” (8-X-2014) 46. 

El arquitecto italiano Giuseppe Terragni (1904-1943).
Giuseppe Terragni (18-IV-1904 a 19-VII-1943), arquitecto moderno, vinculado al fascismo.
Fernández-Galiano, Luis. Terragni en punto de fuga. “El País”, Babelia 647 (17-IV-2004) 20.

El artista hispano-argentino Rafael Amengual (1938).

El artista hispano-argentino Rafael Amengual (1938).
Una versión de este texto se incluye también en el blog El Mirador por su leve relación de influencia con Joan Miró.
Una gran retrospectiva de Rafael Amengual hace por fin justicia a este gran artista, uno de los más destacados en Mallorca en los últimos decenios.

Rafael Marcial Amengual es un pintor y escultor hispano-argentino (Mendoza, Argentina, 1938). Hijo de emigrantes mallorquines establecidos en Argentina, recibió su primera formación artística en este país, donde estudió por libre en la Universidad de Cuyo y en la Academia Provincial de Bellas Artes de Mendoza, y posteriormente la continuó de modo autodidacta, sobre todo en Europa, desde que en 1962 vino a estudiar en España e Italia, descubriendo en 1963 Mallorca, en la que desde entonces reside y trabaja en su taller en las afueras del pueblo de Manacor. Sus siguientes viajes por Gran Bretaña y el resto de Europa completaron una formación artística de extraordinaria amplitud, que se refleja en su obra repleta de referencias cultas.
Amengual entiende el arte como un logro íntimo alejado de la disciplina y el interés de los grupos: ‹‹El arte no tiene explicación, es un sentimiento, como la música, no se tiene que entender, se tiene que sentir››, y esto redundó en una firme voluntad de independencia, como recalca el joven comisario de la muestra, Fernando Gómez de la Cuesta: ‹‹Nunca se ha vendido a la tiranía del mercado››.
Su estilo se sitúa en un expresionismo tenso entre la figuración y la abstracción, con claros influjos o afinidades del surrealismo, particularmente de Miró como denotan sus provocadores objetos escultóricos que ensamblan objetos cotidianos, muchos de ellos hallados en el campo mallorquín, y asimismo está influido por el informalismo de Tàpies y Antonio Saura, a los que hacer sinceros homenajes en algunas obras.
Desde los años 80 se ha decantado cada vez más por un arte radicalmente abstracto, con un creciente interés por la pintura matérica, como se advierte en la serie Corazones, y las texturas del dibujo con técnicas mixtas. Se inspira en una contemplación reposada de la naturaleza que enlaza con la filosofía oriental, un paralelismo más con Miró y Tàpies, y el influjo oriental es también patente en el despojamiento de elementos secundarios, la delicadeza de la grafía y la austeridad del color, pero su arte también está pleno de fuerza mediterránea, de una refinada sensualidad, y todo lo aúna con una seguridad técnica pasmosa, con una pincelada segura e inmediata que revela empero una concienzuda preparación previa. Un excelente resumen de su imaginario, nutrido del subconsciente y de la naturaleza, se puede contemplar en la obra Polaroid, que presenta fotos de sus principales motivos.
Su primera exposición individual la celebró en el Club Universitario de Mendoza en 1958, y su primera en España fue en la Sala Pelaires en 1971. Ha expuesto sobre todo en España, Alemania y Austria. Entre los escritores y críticos que han comentado su obra destacan Miguel Ángel Asturias, José Corredor-Matheos y Antonio Fernández Molina, y en Baleares resaltan Blai Bonet, Guillem Frontera y Josep Melià.
Amengual fue uno de los promotores del ‘Grup Dimecres’, que entre marzo de 1975 y 1979 reunió con regularidad un amplio elenco de artistas e intelectuales, entre los primeros Steve Afif, Jim Bird, Miquel Brunet, Will Faber, Llorenç Ginard, Josep Guinovart, Manuel Hernández Mompó, Ellis Jacobson, Guillem Jaume, José María de Labra, Robert Llimós, Longino Martínez, Ritch Miller, Angela Von Newman, Pombo, Juli Ramis, Bartomeu Riera Bassa, Eusebio Sempere, John Ulbricht y Manolo Vilalta; y entre los segundos Antonio Fernández Molina, Damià Huguet, Rafel Jaume y Josep Melià entre otros.
Poster de la exposición del Palau Solleric en 2011.

Fuentes.
Exposiciones.
<Escultures de pintor: una veritat possible>. Palma de Mallorca. Palau Solleric (julio-septiembre 2011). Cat. Textos de Rafael Amengual, Biel Amer, et al. 187 pp.
<Rafael Amengual. Retrospectiva>. Palma de Mallorca. Palau Solleric (2 septiembre-27 noviembre 2011). 180 obras de pintura, dibujo, escultura y fotografía. Patrocinda por la CAM (Caja de Ahorros del Mediterráneo). Comisario: Fernando Gómez de la Cuesta. Cat. Folleto de una página.

Internet.
Amengual, Rafael. [www.facebook.com/pages/Rafael-Amengual/] Sobre la actualidad del artista.
Amengual, Rafael. [amengual.com/extractos/] Selección de comentarios de escritores y críticos de arte sobre el artista.

Documental.
Redacción. Informativo emitido en RTV Mallorca (1-IX-2011), con entrevista al artista [www.dailymotion.com/video/xkttr3_exposicio-de-rafael-amengual_news]

Artículos.
Redacción. Exposición retrospectiva de Rafael Amengual en el Casal Solleric, Palma de Mallorca. [arteycoleccionismo.wordpress.com] (8-IX-2011).
Redacción. Inaugurada una exposición con obra de Rafael Amengual en el Palau Solleric. “Última Hora” (10-IX-2011).
Rodas, Guillermo. Rafael Amengual exhibe cuarenta años de creación desde el ‘sentimiento’ en el Casal Solleric. “Diario de Mallorca” (2-IX-2011).

Las imágenes insertas están tomadas de las ediciones digitales de los diarios y de la web del propio artista. Se entiende que están sometidas al copyright de éste.

La artista brasileña Lygia Pape (1927-2004).

La artista brasileña Lygia Pape (1927-2004).
Este texto es una versión para blog de la crítica de Boix Pons, Antonio. Antológica de Lygia Pape en MadridSección ‘Exposiciones’. “Octopus” RDCS, nº 6 (VI-2011) 50-55. Otra versión se incluye en el blog El Mirador debido a la leve relación de influencia con Joan Miró.


[http://lorenapipa.blogspot.com.es/2013/06/lygia-pape.html]

Los admiradores de la artista brasileña Lygia Pape (Nova Friburgo, 7-IV-1927-Río de Janeiro, 3-V-2004) gozan por fin de su primera antológica europea, en el Reina Sofía de Madrid, <Lygia Pape. Espacio imantado> (25 mayo-12 septiembre 2011).
El arte brasileño, demasiado tiempo preterido en Occidente, goza desde hace unos años de una estimulante mayor atención. Artistas clave como la pintora Tarsila do Amaral (1886-1973), el poeta y pintor Oswald de Andrade (1890-1954), el pintor Emiliano di Cavalcanti (1897-1976), el pintor realista Candido Portinari (1903-1962), la artista de origen suizo Mira Schendel (1919-1988), la pintora Lygia Clark (1920-1988) y artistas más recientes, que se dieron a conocer en los años 60 como Abraham Palatnik (1928), Lygia Pape (1927-2004), Nelson Leirner (1932) y el gran Hélio Oiticica (1937-1980) con sus pinturas e instalaciones neoconcretas; o artistas aparecidos a finales del siglo XX como el conceptual de origen portugués Artur Barrio (1945), Cildo Meireles (1948), el escultor Marlon de Azambuja (1978), Marcelo Cidade (1979)...
Lygia Pape, fundadora del Grupo de los Neoconcretos en 1959, es el tercer vértice del triángulo de la llamada ‘Segunda Modernidad’, junto a los más conocidos Helio Oiticica y Lygia Clark, como apunta Estrella de Diego. Manuel Borja-Villel, comisario de la muestra a la vez que director del Museo Reina Sofía, explica que la obra de Pape se manifiesta ‹‹de muchos modos›› como la performance, el ballet, el cine o la pintura —Ken Johnson comentaba en 2004 que retaba los límites formales y conceptuales del arte a través de muchos diferentes medios, incluyendo pintura, grabado, escultura, danza, cine, performance e instalaciones—, pero el libro es el elemento vertebrador de la misma ‹‹en el sentido que Mallarmé le daba a la palabra como algo que crea un espacio moderno››. Esto es, la exposición narra la búsqueda del Santo Grial del (de la) artista-poeta: la escritura de un libro imposible, que recoja en su lenguaje un nuevo orden sensible. La fusión de las artes literaria y plástica en un todo trascendente, abierto al espectador, al que reta a participar, pues como Borja-Villel añade, la artista brasileña utiliza su obra como un espacio ‹‹en el que el espectador se mete y es capaz de generar sus propios recorridos››, aspecto que la hace “singular”. Teresa Velázquez, la otra comisaria, considera que la exposición ‹‹hace justicia poética›› a una de las artistas más importantes del arte brasileño de la segunda mitad del siglo XX. Laura Pape, una de los dos hijas de la artista, directora del Projeto Lygia Pape (creado en 2004 por la propia artista), ha alabado el resultado de la exposición (una idea que partió de José Jiménez, quien le propuso a Borja-Villel hacer el proyecto en el MACBA, que ahora retoma en el Reina Sofía) y la profesionalidad de sus comisarios y recuerda que su madre era una artista en todos los sentidos, que mezclaba conceptos y materias, y daba una importancia excepcional a las personas y espacios.
La obra de Pape ha gozado en los últimos decenios de frecuentes exposiciones en los museos de arte moderno brasileños, como los renombrados de Sao Paulo y Río de Janeiro, pero se ha difundido sólo muy recientemente por EE UU y Europa con intensidad, apenas desde el cambio de siglo, con exposiciones en el Museum of Contemporaru Art de Los Angeles (1998), en la gran colectiva *<Body and Soul> que recorría el arte brasileño desde el siglo XVI en el Guggenheim de Nueva York (2001), y nuevamente en el Guggenheim de Nueva York (2002), la Haus der Kunst de Múnich (2004), el Museum of Contemporaru Art de Chicago (2005), el Barbican Centre de Londres (2006) o el Moderna Museet de Estocolmo (2008), y su póstuma fama actual se asienta en especial gracias a su exitosa presentación especial en el Arsenale durante la 53 Bienal de Venecia (2009), donde asombró y emocionó su instalación Ttéia I, C (2002). Tanto retraso se debe tal vez a que debía pechar con el doble obstáculo de ser mujer y brasileña, lo que no arredró a esta gran artista de la vanguardia más comprometida, que proclamaba en 1980: ‹‹Las artes plásticas me sirven para penetrar el mundo››. Esto significaba buscar su indisociable singularidad personal y artística a través de una constante mutación que integrase las esferas ética, estética y política.

Lygia Pape (Nova Friburgo, 7-IV-1927-Río de Janeiro, 3-V-2004). Artista brasileña. Estudió arte de modo autodidacta, salvo su temprana experiencia con la artista Fayga Ostrower (1920-2001), en el taller del Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ). Entre 1972 y 1985 enseñó semiótica en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Santa Úrsula en Río de Janeiro, y desde 1983 fue profesora en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Federal de Río de Janeiro. Falleció por mielodisplasia, una enfermedad sanguínea. Le sobrevive su viudo, Gunther Pape, dos hijas Paula Pape y Cristina Maria Pape, y dos nietos. En 2004 se fundó la Associação Cultural Projeto Lygia Pape (Asociación Cultural Proyecto Lygia Pape), ideada por la propia artista y dirigida por su hija Paula Pape.
Comenzó como pintora abstracta, a caballo entre lo orgánico y lo geométrico, con influjos varios: Klee, Miró, Picasso, Malevich, Mondrian, Fontana… y cuando en 1951 el escultor, pintor y arquitecto suizo Max Bill obtuvo el gran premio en la I Bienal de Sao Paulo, ella se alistó entre sus jóvenes seguidores, con un arte rigurosos de racionalismo y purismo geométrico: el Concretismo o Arte Concreto, como el Grupo Ruptura de Sao Paulo, y en 1954 la misma Pape colaboró en la fundación de otro grupo ‘Frente’, en Río de Janeiro, concretista, pero que recuperaba los valores de lo sensorial que siempre había caracterizado el arte brasileño.
Entre sus primeras pinturas destaca sus serie de Jogos Vectorais, y las poco posteriores Tecelares (1955), con las que comienza a experimentar con xilografías realizadas por la incisión de sutiles líneas de la madera, obras que impresionan en especial a De Diego: ‹‹las delicadas xilografías de mediados de los cincuenta, los Tecelares, recuerdan de un modo llamativo a Stella, quien hizo obras semejantes... casi seguro unos años más tarde.›› y a Pulido: ‹‹los hay blancos, casi imperceptibles; y negros, donde se acerca a Frank Stella.›› Y realiza también Desenhos realizados en tinta sobre papel japonés, que muestran reminiscencias de la poética sutileza de los grabados nipones.
En 1959 Pape, junto a Hélio Oiticica (quien la definió como «una semilla permanentemente abierta») y Lygia Clark, funda el grupo o movimiento del Neoconcretismo, firmando el Manifesto Neoconcreto, que defiende centrarse en la realidad concreta de la obra de arte en su sentido opuesto a la imaginería representacional. Decía la artista: «Quiero trabajar en un estado poético intensamente. Estoy en busca del poema»  y consecuente con este sentido realiza en 1959 sus Poemas luz y Poemas objeto, y sus Livros (“elegantes” los define De Diego), estos con elementos esculturales casi abstractos con texturas que el público puede acariciar e incluso con aromas de esencia de origamien los que traduce visual y musicalmente un poema sin palabras sólo a través del movimiento, a la vez que da participación al lector en la construcción del libro. En los tres libros aborda la poesía como fenómeno plástico y construye una narrativa mediante la imagen: el Livro da criaçao (Libro de la Creaciónen el que invita a montar y desmontar el libro, compuesto de delicadas construcciones tridimensionales), el Livro de Arquitetura o en el Livro do Tempo (Libro del Tiempo, un lienzo geométrico que ocupa una pared, compuesto de 365 pequeñas maderas pintadas, lo que funde el libro con el ciclo del tiempo). Estas obras son expuestas en la gran exposición internacional de Arte Concreto, *<Konkrete Kunst> organizada por Max Bill en el Museum Helmhaus de Zúrich (1960), en la que coincide con muchos artistas latinoamericanos y europeos.
En los años 60 realiza esculturas en madera y el Livro-Poema, en el que conjuga xilografías y poemas concretos. El lado más crítico y comprometido con la transformación social de la artista aparece por ejemplo en sus Caja de cucarachas (un simple caja con cucarachas muertas y resecas) Caja de hormigas, ambas de 1967, en las que rechaza el arte momificado de los museos y la condición marginal de la población (se interesaba en especial por la cultura de los indígenas brasileños, que en algunas zonas todavía consume ambos insectos).
La idea de buscar una experiencia colectiva que trascendiera los límites museísticos y pusiera en entredicho la esencia de la autoría (como comenta De Diego) estaba patente ya en sus primeros ballets: en el primero, Ballet Neoconcreto I (1958), concebido con el poeta Reynaldo Jardim (1926), unos actores escondidos en formas geometricas muy simples se mueven por el escenario, y esto llevó a la artista hacia la experimentación de performances, registradas fotográficamente, como la todavía individual Espacios imantados (1968), y sobre todo la famosa Divisor (1969), su primera experiencia colectiva, concebida para poder ejecutarse cuantas veces se quiera (se repitió el 24 de mayo de 2011 en la plaza frente al Reina Sofía): a través de una enorme tela blanca agujereada, el público (mejor numeroso) asoma la cabeza mientras su cuerpo queda envuelto en el tejido blanco, rompiendo el límite entre el observador y el participante, en lo que ha sido interpretado, como comenta Johnson, como una crítica de la burocracia moderna y una referencia a la separación entre mente y cuerpo, así como de la oposición entre lo individual y lo colectivo (como apunta Pulido).

Performance de Divisor. Fotografía de Ángel de Antonio, “ABC” (25-V-2011).
En el mismo principio sensorial, lúdico y participativo se inspira su Roda dos prazeces (Rueda o Ronda de los placeres), en la que los espectadores pueden probar de unos pequeños platillos unas gotas de agua con colorantes alimentarios de distintos sabores y colores que tiñen sus lenguas. De Diego apunta: ‹‹Es la idea del arte como juego, lúdico, subversivo, que plantea otro de los trabajos, Roda dos prazeces, que propone al visitante servirse unas gotas coloreadas en la lengua. La trampa está servida: los colores no se corresponden con los sabores y el naranja quizá sepa a menta››
Su prestigio creció imparable en Brasil durante los años 60 y 70. Ya a finales de los 60 trabajó con el famoso grupo cinematográfico brasileño del ‘Cinema Novo’, encabezado por Glauber Rocha, diseñando títulos de crédito y carteles, e incluso realizó uma decena de cortometrajes experimentales, algunos de sólo pocos segundos de duración, y otros más documentales, como O Guarda-Chuva Vermelho (El Paraguas Rojo), de 1971, sobre el artista brasileño Oswaldo Goeldi (1895-1961). Entre 1972 y 1985 enseñó semiótica en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Santa Úrsula en Río de Janeiro, labor interrumpida en 1980, cuando marchó a Nueva York con una beca de estudios de la Fundación Guggenheim, y desde 1983 fue profesora en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Federal de Río de Janeiro. Hacia esta época, después de la muerte en 1980 de Oiticica, organiza, junto con el artista gráfico Luciano Figueiredo (1948) y el poeta poeta Waly Salomão (1943-2003), el Projeto Hélio Oiticica, destinado a preservar y a difundir la obra de su gran amigo.
Cultivó sobre todo las instalaciones en los últimos decenios, en las que usaba luces, plantas, alimentos, líquidos y materiales de todo tipo, y entre ellas destaca su gran serie de piezas tituladas Ttéias (1977-2000), de gran formato, efectos teatrales de un barroco claroscuro y un dramatismo surrealista, elaboradas con filamentos de cobre (con variantes dorada, plateada o transparente) que atraviesan el espacio, combinando luz y movimiento cual místicos prismas-haces de luz al modo de Bernini en el Extasis de Santa Teresa; enetre ellas sobresalen las que realizó a partir de 1990, gracias a una beca de la Fundación Vital para su Projeto Tteias.
De Diego admira en Pape que sus obras jueguen con el concepto de lo “opuesto” e introduzcan a menudo una sorpresa lúdica, y siempre enlacen con la poesía: ‹‹en busca de un arte preciso pero imbricado en las emociones, en la poesía y en la sensualidad, con fórmulas consideradas antitéticas por el pensamiento occidental. Lo explicó en los noventa: “Construir un universo propio que resulte de una tarea insana de vuelos poéticos, de murmullos de locura e invención, este es el único destino del arte. Cabe a los poetas la confianza”.›› Y De Diego finaliza su crítica: ‹‹Lienzos y xilografías surcados por líneas, las impresionantes Ttéias, fotos, documentos de las acciones o películas underground hablan de su peculiar compromiso sensorial y político. Y poético: lo prueban los extraordinarios libros de poemas y una de las piezas clave de la muestra, Ballets neoconcretos. En un vídeo se ve el modo en el cual danzan las piezas: emoción y precisiones. Desde luego, cabe a los poetas la confianza.››

Fuentes:
Internet.
[www.lygiapape.org.br/] Una web oficial sobre su vida y obra, poco desarrollada.

[www.designboom.com/weblog/cat/10/view/6861/lygia-pape-tteia-i-c-at-venice-art-biennale-09.html] Reproduce espectaculares imágenes de su instalación Ttéia I, C (2002).


Exposiciones.
*<América Fría. La abstracción geométrica en Latinoamérica (1934-1973)>. Madrid. Fundación Juan March (11 febrero-15 mayo 2011). 300 obras de 64 artistas en pintura, fotografía, escultura y arquitectura: Ferreira Gullar, César Paternosto, Luis Pérez Oramas, Gabriel Pérez-Barreiro, María Amalia García, Michael Nungesser, Hélio Oiticica, Lygia Clark, Lygia Pape, Sergio Camargo, Geraldo de Barros, Thomaz Farkas, Haruo Ohara, Marcel Gautherot, Leo Matiz, Jesús R. Soto, Alejandro Otero… Comisario: Osbel Suárez. Cat. Textos de Osbel Suárez. Noticias de Jarque, Fietta. Entrevista. Patricia Phelps de Cisneros / Coleccionista. “El País” (12-III-2011) 46. / Marín-Medina, José. Geometrías con acento propio. “El Cultural” (25-II-2011) 26-27.
<Lygia Pape. Espacio imantado>. Madrid. MNCARS (25 mayo-12 septiembre 2011). Unas 250 obras: pinturas, relieves, xilografías y acciones performativas, mostradas mediante objetos, vídeos, fotografías, cine, carteles de películas, poemas, collages y documentos. Primera antológica de la artista en Europa, en colaboración con el Projeto Lygia Pape. Comisarios: Manuel Borja-Villel y Teresa Velázquez. Se prevé editar un catálogo en español y en inglés con una selección de textos de la propia artista y de su círculo, un texto de presentación de los comisarios, Manuel Borja-Villel y Teresa Velázquez, y ensayos de Paulo Herkenhoff, Lauro Cavalcanti, Ivana Bentes, Paulo Venancio Filho y Guy Brett.

Artículos.
Agencia EFE. El Reina Sofía muestra el arte sensorial de la brasileña Lygia Pape. Noticia recogida en “El Mundo”, “La Vanguardia” y otros medios (24-V-2011).
De Diego, Estrella. Justicia poética para Lygia Pape“El País” (25-V-2011) 44.
Hontoria, Javier. Lygia Pape y la magia de lo análogo. “ABC” (24-V-2011).
Johnson, Ken. Lygia Pape, a Brazilian Artist of Concrete Reality, dies at 77. “The New York Times” (16-V-2004).
Pulido, Natividad. En las redes de Lygia Pape. “ABC” (25-V-2011).
Redacción. Lygia Pape, en el Reina Sofía, a partir de mayo. “Revista de Arte” (10-IV-2011).


Antonio Boix, en Palma de Mallorca (25-V-2011).
Se advierte que en principio todas las obras citadas tienen derechos de copyright, pertenecientes a los respectivos museos e instituciones, y en el caso de la fotografía reproducida a Ángel de Antonio y el diario “ABC”.

lunes, 19 de agosto de 2013

La moda en los museos de arte contemporáneo.

La moda se está implantando con creciente frecuencia en los programas de exposiciones de los museos de arte contemporáneo, gracias a su gran éxito de público y crítica. Un fenómeno que promueve la asistencia a los museos de nuevos segmentos de público y además refuerza la imagen pública de las firmas de moda.

Galería de moda en el Victoria & Albert Museum de Londres. [http://www.vam.ac.uk/page/f/fashion-reading-lists/]

Los museos, una invención relativamente reciente cuando la Revolución Industrial ya estaba abierta, desde sus inicios han acumulado moda como parte del arte textil, pero salvo las instituciones especializadas en el textil siempre la consideraron un mero complemento, hasta que a mediados del siglo XX varios museos de arte contemporáneo comenzaron a exponer la moda, con casos tan conocidos como el Victoria & Albert Museum de Londres o el Metropolitan Museum of Art y el MOMA de Nueva York. Pero todavía eran actividades muy secundarias dentro de su programación de exposiciones, con una doble intención, primero acercar al museo a un público más joven y, segundo, conseguir una colección de los más importantes modistos en vistas a un futuro en que la moda fuera mejor considerada dentro del panorama artístico.
Bien, ese futuro ha llegado.
El arte de la moda se está introduciendo en los museos generalistas con crecientes regularidad y éxito en el siglo XXI. Hoy quedan pocos centros artísticos de alto nivel que no planifiquen un acercamiento al mundo de la moda, del mismo modo que hay escasos medios de comunicación de masas que no le ofrezcan una importante parte de sus páginas o minutos. Y cuentan con el apoyo entusiasta de las firmas de moda, pues como señala el especialista Juan Gutiérrez, del Museo del Traje, ‹‹Las exposiciones son un complemento idóneo para la imagen de marca de algunas firmas. El presentarse en un museo da prestigio y posiciona a la firma en la historia.›› [Navarro, Rocío; García, Leticia. El negocio de la moda en los museos. “El País”, S Moda 100 (17-VIII-2013): 9.]

Dos fotos de <Alexander McQueen: Savage Beauty> [http://blog.metmuseum.org/alexandermcqueen/]
La cuarta exposición más visitada en el mundo en 2011 fue <Alexander McQueen: Savage Beauty> (4 mayo-7 agosto 2011), en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, por encima incluso de retrospectivas exitosas de Picasso o Warhol.
La exposición *<The Little Black Jacquet> (4 octubre-12 noviembre 2012) consiguió un triunfo arrollador en la Saatchi Gallery, con su revisión de la famosa chaqueta de Chanel por Karl Lagerfeld y Carine Roitfeld.
El Fine Arts Museum de Boston apuesta por la moda del ‘Hippie Chic’ de los años 1967-1972, que se asocia a la cultura de Los Beatles y los Rolling Stones, en *<Hippie Chic. Revolución en la moda> (16 julio-11 noviembre 2013).
El Seattle Art Museum presenta de junio a septiembre de 2013 *<Future Beauty: 30 Years of Japanese Fashion>, antes de pasar en octubre a la londinense Barbican, y su comisario de exposiciones, Chiyo Ichikawa, apunta: ‹‹Todo lo que tenga que ver con la cultura popular, como la moda, está convirtiéndose en una práctica común en los museos›› [Navarro, Rocío; García, Leticia. El negocio de la moda en los museos. “El País”, S Moda 100 (17-VIII-2013): 9.]. 

La extraordinaria muestra *<Impresionism: Fashion and Modernity>, con cuadros de Manet, Monet, Renoir o Van Gogh entremezclados con vestidos del último tercio del siglo XIX, pasa en 2012-2013 por el parisino Musée d’Orsay, el Metropolitan Museum de Nueva York y el Chicago Art Institute.

Documental La moda es sueño (2012). 21 minutos.

En España encontramos que el Guggenheim de Bilbao exponía a Armani en 2001 todavía en medio de una pequeña polémica por su presencia en un museo. Hoy, en cambio, Pablo Jiménez, director del Instituto de Cultura de la Fundación Mapfre, confiesa que ‹‹Es una expresión artística más cercana al mundo cotidiano. A la audiencia le atrae esa cercanía›› [Navarro, Rocío; García, Leticia. El negocio de la moda en los museos. “El País”, S Moda 100 (17-VIII-2013): 8.] y, en consecuencia, ya ha expuesto a Yves Saint Laurent y Jean Paul Gaultier y ha programado a Givenchy para 2015. El madrileño Museo de Cerralbo expuso con gran éxito La moda es sueño (2012.2013) y el Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla (ICAS) tuvo 40.000 visitantes en mayo-julio de 2013 en una muestra sobre las relaciones entre Zurbarán y el actual diseño español, una relación que ya abrió el gran Cristóbal Balenciaga, que se inspiraba en la pintura del Siglo de Oro del Museo del Prado para sus vestidos de noche.


Guipuzcoa. Getaria. Museo Cristóbal Balenciaga, inaugurado en 2011. [www.cristobalbalenciagamuseos.com]

Un diseño de Balenciaga inspirado en los clásicos del barroco. Fuente: [http://thecreativesuitcase.blogspot.com.es/2012/05/arte-que-inspira-irving-penn.html]

Fuentes.
Exposiciones.
<Alexander McQueen: Savage Beauty>. Nueva York. Metropolitan Museum of Art (4 mayo-7 agosto 2011). [http://blog.metmuseum.org/alexandermcqueen/]
*<Tras el espejo. Moda española>. Madrid. MNCARS (17 junio-28 septiembre 2003). Pasa a Santiago de Compostela y Barcelona. 400 obras (130 físicas y el resto en vídeo) textiles y de calzado de unos 200 artistas, diseñadores, modistos y marcas: Antonio Miró, Miquel Adrover, Balenciaga, Elio Bernhayer, Manuel Pertegaz... Cat. Texto-guión y montaje del cineasta Gonzalo Suárez.
*<La edad de oro de la alta costura>. Itinerante (2010-2011). Barcelona, Palau Robert. Madrid, Museo del Traje. Teruel, Museo del Traje. Las mismas piezas se exhiben hasta marzo de 2014 en el Museo Balenciaga en Getaria (Gipuzkoa).
*<La moda es sueño>. Madrid. Museo Cerralbo (25 octubre 2012-13 enero 2013). Organizada por la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes de la Secretaría de Estado de Cultura, el Museo Cerralbo, la Asociación Creadores de Moda de España (ACME) y la revista “Marie Claire” en su 25 aniversario en España y el patrocinio de Mango. Comisarias: Isabel Vaquero y Lucía Cordeiro,
*<Impressionism, Fashion, and Modernity>. París. Musée d’Orsay (25 septiembre 2012-20 enero 2013). Nueva York. Metropolitan Museum (26 febrero-27 mayo 2013). Chicago. The Chicago Art Institute (26 junio-29 septiembree 2013). Obras de Manet, Monet, Renoir, Van Gogh… y vestidos del último tercio del siglo XIX. [http://www.metmuseum.org/exhibitions/listings/2013/impressionism-fashion-modernity/introduction]
<The Little Black Jacquet>. Londres. Saatchi Gallery (4 octubre-12 noviembre 2012). Una revisión de la chaqueta de Chanel por Karl Lagerfeld y Carine Roitfeld. [http://www.saatchigallery.com/current/the_little_black_jacket.php]
<Santas de Zurbarán: Devoción y Persuasión>. Sevilla. Espacio Santa Clara (3 mayo-20 julio 2013). Las influencias de Zurbarán en 10 diseñadores del ACME: Elio Berhanyer, Ágatha Ruiz de la Prada, Devota y Lomba, Francis Montesinos, Ángel Schlesser, Juan Duyos, Pedro Moreno, Ana Locking, Roberto Torreta, Hanníbal Laguna y Vittorio y Luchino. [http://www.asmoda.com/articulos.aspx?num=82&idart=1168]
*<Future Beauty: 30 Years of Japanese Fashion>. Seattle. Seattle Art Museum (27 junio-8 septiembre 2013). Una selección de los diseñadores Rei Kawakubo, Issey Miyake, Kenzo Takada, Jun Takahashi, Koji Tatsuno, Junya Watanabe, Yohji Yamamoto. Comisario: Akiko Fukai. [http://seattletimes.com/html/thearts/2021280992_futurebeautyxml.html] [http://artdaily.com/news/63659/Seattle-Art-Museum-presents--Future-Beauty--30-Years-of-Japanese-Fashion--exhibition#.UhJ6U5JM-zk]
*<Hippie Chic. Revolución en la moda>. Boston. Fine Arts Museum (16 julio-11 noviembre 2013). La moda hippie se extendió entre la juventud occidental en los años 1967-1972, la época dorada de Los Beatles y los Rolling Stones. [http://www.theartwolf.com/exhibitions/hippie-chic-boston-2013-es.htm]
<Manolo Blahnik: The Art of Shoes>. Milán. Palazzo Morando (desde 26 enero 2017). Itinerante a San Petersburgo, Praga, Madrid y Toronto. 80 bocetos y 212 pares de zapatos.
*<Diana. Her Fashion Story>. Londres. Kensington Palace (desde 24 febrero 2017). Comisaria: Eferi Lynn. 
<Balenciaga, l’oeuvre au noir>. París. Musée Bourdelle (desde 8 marzo 2017).
<Rei Kawakubo / Comme des garçons>. Nueva York. Costume Institute (desde 4 mayo 2017).
<Balenciaga: Shaping fashion>. Londres. Victoria & Albert Museum (desde 27 mayo 2017).
*<Items: Is Fashion Modern?>. Nueva York. MOMA (desde 1 octubre 2017). 99 prendas y accesorios sobre el Little black dress, los vaqueros Levi’s 501, los relojes Casio, el hiyab…

Artículos. Orden cronológico.
Navarro, Rocío; García, Leticia. El negocio de la moda en los museos. “El País”, S Moda 100 (17-VIII-2013) 8-9.
Gómez Urzaiz, Begoña. Una lección de moda de Valerie Steele. “El País” (18-V-2015) 30. La directora del museo del FIT de Nueva York razona sobre la moda en los museos.
Sancha, Natalia. El ‘prêt-à-porter’ se lleva en Ramadán. “El País” (22-VI-2015) 28.
Fernández Abad, Ana. Directores de museos. La moda, patrimonio cultural. “El País” S Moda Extra (II-2016) 56-60. La moda como arte según Helena López de Hierro (Museo del Traje), Pilar Vélez (Museo del Diseño de Barcelona), Miren Vives (Museo Cristóbal Balenciaga de Getaria), Evelio Acevedo (Thyssen-Bornemisza).

Contreras, María. Los museos se llenan de moda. “El País” (4-I-2017). Exposiciones de destacados creadores en 2017: Balenciaga, Manolo Blahik, Rei Wawakubo…

La firma de moda Brunello Cucinelli.

La firma de moda Brunello Cucinelli, especializada en las prendas de lana de cachemir, es un modelo de éxito empresarial y de compromiso social para las pymes europeas. Destaca además por la calidad de sus campañas publicitarias.


Solomeo splash
El pueblo de Solomeo.

El empresario italiano Brunello Cucinelli (1954) dirige desde 1979 en el pueblo medieval de Solomeo (región de Umbría) una rentable empresa textil y una fundación (Fondazione Brunello Cucinelli) que actúan juntas y son un modelo de sostenibilidad y compromiso cívico. Sus prendas son famosas internacionalmente por la calidad de la lana de cachemir y las técnicas artesanales de su confección.

Cabras de Cachemir, en Mongolia.

La lana de cachemir, famosa ya en la Antigüedad en Roma y otros mercados por su ligereza, es traída desde las montañas de Mongolia. Se hila y tiñe en Italia, después se teje en la compañía de tejedores de Piergiorgio Cariaggi y finalmente se realizan las prendas en talleres artesanales (en edificios medievales restaurados), la mayoría por mujeres, en unas condiciones laborales óptimas en comparación con otras empresas. El éxito depende, empero, de un cuidado exquisito en el control de calidad del producto, su posicionamiento en el nivel alto de precio y la continua innovación en la comercialización, con campañas publicitarias que aúnan mensajes clásicos con la juventud y la belleza. 

Fuentes.
Internet.
[http://www.brunellocucinelli.com/en] Incluye las fotos del post, vídeos, textos, colecciones... Una web realizada con sumo cuidado, modélica en información y publicidad.
Artículos.
Alexandrowitch, Silvia (texto); Barjau, Caterina (fotos). Filósofo del cachemir. “El País” Semanal 1.926 (18-VIII-2013) 70-73.
Bolillos, Eduardo. Brunello Cucinelli. Un mundo más bello. “El País” S Moda 212 (IV-2016) 168-173.

Hervás, María. El humanista de las costuras. “El País” Semanal 2.089 (9-X-2016).

Onibaba (1964), de Taneko Shindo.

Onibaba (1964), de Kaneto Shindo, una obra maestra del erotismo japonés de los años 60 y un drama clásico sobre la poesía, la guerra y la condición femenina


Onibaba (1964). Japón. Género: drama de fantasía. Duración: 103 minutos. Dirección: Kaneto Shindo. Intérpretes: Nobuko Otowa, Jitsuko Yoshimura, Kei Sato. Guión: Kaneto Shindo. Música: Hikaru Hayashi. Sonido: Tetsuya Ohashi. Fotografía: Kiyomi Kuroda. Montaje: Toshio Enoki.


Trama.
Dos mujeres solitarias, una mujer madura y su joven nuera, sobreviven en las marismas del sur del Japón, en medio de una guerra a finales del siglo XIV, matando y rapiñando a los soldados que se refugian en la zona. Un campesino trae la noticia de la muerte del hijo y esposo de ambas, y es introducido en el negocio y en sus vidas…


Opinión.
El gran Kaneto Shindo ofrece una reflexión magistral sobre la desesperación de unos humildes aldeanos marginados y desliza una mirada asombrosa, de un erotismo abrasador y una poesía soñada (la máscara que se apodera del que la porta es un tema clásico de la literatura oriental), sobre la esencia de la naturaleza femenina en su entorno salvaje, simbolizado por el viento (admirable la interrelación del sonido de Ohashi y la música de Hayashi) entre los cañizales y su conexión con la potencia abrumadora del deseo. La escena final, el salto de la vida sobre la muerte, muy abierta en sus significados, es una de las más impactantes del cine japonés de los años 60.


Fuentes.

sábado, 17 de agosto de 2013

El arquitecto argentino César Pelli (1926), el maestro de los rascacielos.

César Pelli (1926) es uno de los arquitectos más innovadores en la creación de rascacielos en los últimos decenios.

El argentino César Pelli (Tucumán, Argentina, 1926), establecido en EE UU desde 1952, decano de la Facultad de Arquitectura de Yale en 1977, es autor de algunos de los rascacielos más emblemáticos de fines del siglo XX: el World Financial Center de Nueva York (1985), el Canary Wharf de Londres (1991), las Torres Petronas de Kuala Lumpur (1998), que con sus 452 metros fueron las más altas del mundo hasta 2003, rematadas al modo de un templo islámico escalonado, incorporando las influencias de la cultura budista del Lejano Oriente.
Pelli proclama que las vanguardias históricas no se han interesado por los rascacielos:
‹‹Ni Le Corbusier ni la Bauhaus desarrollaron una teoría de la altura como sí hicieron, en cambio, con los edificios de desarrollo horizontal. (...)››.
Él, en cambio, defiende con sólidos argumentos los rascacielos, no solo por su ahorro energético o de espacio, que es indiscutible, sino sobre todo por su valor simbólico:
‹‹Los rascacielos siguen teniendo grandes ecos emocionales en el público. Los seres humanos somos verticales, con los ojos colocados en la parte alta del eje. Nuestra condición erguida hace que tendamos a lo alto. Los faraones estaban enterrados en el sótano, pero encima se hacían construir unas pirámides que hasta hace relativamente poco fueron las construcciones más altas de Occidente. Los zigurat mesopotámicos, los campanili italianos, las torres de defensa, están ahí como un deseo de crecer. (...)››

Canary Wharf en Londres (1991), de Pelli.

Considera que los rascacielos deben integrarse en su entorno urbano, sin romper el sentido de los edificios que le rodean, por lo que justifica que no se hagan en el centro antiguo de las ciudades europeas con una escala cerrada (el caso de Barcelona, pero no de Madrid o Milán) y defiende su función de solución al problema del espacio en las ciudades, sin plantear problemas irresolubles de densidad urbana:
‹‹Depende de a qué distancia del centro se construyan. Densifican una parte de la ciudad, no toda. Yo no creo que las ciudades que se dispersan sean mejores que las que se concentran. La cercanía me parece muy importante. Esta entrevista podríamos haberla hecho por Internet, pero no sería lo mismo. Estar juntos, verse, forma parte consustancial del ser humano. Aparte de que la dispersión crea unos costes sociales mayores por las distancias que obliga a cubrir a los distintos servicios.››




Las Torres Petronas (1998), de Pelli.

Explica el simbolismo de sus Torres Petronas, enraizado en su contexto cultural:
‹‹Allí ensayé un diálogo con el mundo islámico. (...) Para esa cultura las formas geométricas progresivamente complejas son más importantes que para la cultura occidental. La planta de las Torres Petronas parte de dos cuadrados entrelazados, una figura que se encuentra por todo el mundo islámico, Andalucía incluida. El cuadrado es básico. Cuatro son los ríos de la felicidad del paraíso coránico A partir de la figura simple el artista elabora la complejidad, que equivale a la comprensibilidad de Dios. Pues bien, a partir de los cuadrados entrelazados llegué a una planta en estrella de 16 lados. Ése fue mi modo de dialogar con el mundo islámico. Aparte de que cada torre tiene 88 plantas oficiales. En realidad, tiene más, 92 creo, pero el ocho es el número de la suerte en la cultura china. El número 88 equivale a doble suerte. El rascacielos que construyo ahora en Hong Kong también tendrá 88 plantas.›› 

Fuentes.
Internet.
Artículos.
Fancelli, Agustí. Entrevista a César Pelli, arquitecto. “El País” (17-V-2002) 36.
Molina, Margot. Una antorcha de cristal para Sevilla. “El País” (25-I-2007) 40. Una rascacielos de 178 m. en la isla de la Cartuja.

Rincón, Reyes. Sainete en torno a un rascacielos. “El País” (29-I-2012) 41. El Ayuntamiento de Sevilla quiere parar la torre de César Pelli a petición de un órgano asesor de la UNESCO.