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martes, 28 de febrero de 2012

Películas (2007): De profundis. Deseo, peligro. Michael Clayton. No es país para viejos. Zodiac...

PELÍCULAS (2007).

De profundis (2007), de Miguelanxo Prado.
Deseo, peligro (2007) de Ang Lee.
Michael Clayton (2007), de Tony Gilroy. 
No es país para viejos (2007), de Joel y Ethan Coen.

Zodiac (2007), de David Fincher.

De profundis (2007), de Miguelanxo Prado.

De profundis (2007). España. Género: animación. Duración: 80 minutos. Dirección: Miguelanxo Prado.
Trama.
Una mujer espera a su amor, un marinero que sueña con viajar por los mares y conocer lo oculto y lo misterioso.
Opinión.
El debut como director del dibujante Miguelanxo Prado fue impactante. Basado en un texto de Oscar Wilde y un relato del gran escritor portugués José Cardoso Pires, compuso unas 20.000 imágenes creadas a mano, con variadas técnicas, y las engarzó en una historia poética de insólita belleza, ambientada en un mar que es fuente de vida más allá de lo inevitable de la muerte, entre el sueño y la pesadilla. Nunca sabemos si hay un atisbo de realidad en este fantasmagórico viaje sentimental, pero sus imágenes están llenas de verdad.
Fuentes.

Redacción. ‘Películas’. De profundis. “El País” (13-II-2012) 54.

Deseo, peligro (2007) de Ang Lee.

Cartel con Tony Leung y Tang Wei.

Deseo, peligro (2007).  Se, jie (título chino). China y EE UU. Género: drama. Duración. 157 minutos. Dirección: Ang Lee. Intérpretes: Tony Leung, Tang Wei, Joan Chen, Wang Leehom. Guión: Wang Hui Ling y James Schamus. Música: Alexandre Despiat. Fotografía: Rodrigo Prieto. Montaje: Tim Squyres. Diseño de producción y vestuario: Pan Lai.
Trama.
Shanghái, al inicio de la Segunda Guerra Mundial, bajo la ocupación japonesa. Wong Chia Chi es una joven universitaria china que participa en las actividades de un grupo de teatro, junto a su amigo Kuang Yu Min, un nacionalista que le propone que entable una relación con el jefe de la policía colaboracionista china, el señor Yee, con el objetivo de liquidarlo. La muchacha al poco tiempo inicia una relación cada vez más íntima y peligrosa…
Opinión.
Un filme notable, muy interesante entre otros puntos por su cuidadosa reproducción de un tiempo de zozobra para China, pero no trata tanto de la ocupación japonesa y de la colaboración de los chinos como del viaje personal de la muchacha en el conocimiento de sus deseos y la afirmación de su personalidad hasta que ello choca con la tragic realidad de su entorno.
Fuentes.
García, Rocío. Entrevista. Ang Lee / Director de cine. “Vivo en constante contradicción”. “El País” (13-XII-2007) 50.

Boyero, Carlos. El precio de la pasión. “El País” (14-XII-2007) 53.

Michael Clayton (2007), del director de cine estadounidense Tony Gilroy. 

Michael Clayton (2007). EE UU. Género: thriller dramático. Duración: 120 minutos. Dirección: Tony Gilroy. Intérpretes: Georges Clooney, Tom Wilkinson, Sydney Pollack, Tilda Swinton, Michael O'KeefeKen HowardDenis O'HareRobert PrescottAustin WilliamsSean CullenMerritt WeverDavid Lansbury. Guión: Tony Gilroy. Música: James Newton Howard. Fotografía: Robert Elswit. Montaje: John Gilroy.
Trama.
Michael Clayton trabaja para un famoso bufete de Nueva York, aunque no ejerce de abogado sino un solucionador de problemas ajeno a las honduras morales. Pero hay un asunto judicial que removerá las aguas turbias del bufete. Un cliente, la compañía industrial agroquímica U North, contaminó a sabiendas una comunidad y desde hace seis años se niega a pagar la justa indemnización. El mejor amigo de Clayton, Edens, el abogado estrella del bufete, sufre una crisis moral y se pone de parte de las víctimas, desencadenando una creciente espiral de violencia.
Opinión.
Una película excelente en la que el debutante Tony Gilroy, guionista del ciclo Bourne y director de la cuarta entrega, transgrede las convenciones académicas del género en los últimos años gracias a su desazonante amargura y al ritmo pausado de la narración, que va construyendo morosamente el fiel retrato de unos seres frustrados en sus sueños que ansían empero una redención. , Bordan sus papeles Clooney (el antihéroe Clayton), Wilkinson (el abogado Arthur Edens) y Swinton (la ejecutiva de U North, Karen Crowde), que con su breve pero imprecindible participación como malvada ganó el Oscar a la mejor actriz de reparto. El equipo técnico, curtido en las más arriesgadas lides, aporta su habitual maestría, destacando el montador (y hermano del director) John Gilroy.
Fuentes.
Internet.
Artículos.

Redacción. ‘Las películas’. “El País (2-XI-2012) 58.

No es país para viejos (2007), de Joel y Ethan Coen.

No es país para viejos (2007). No Country for Old Men. EE UU. Género: drama. Duración: 122 minutos. Dirección y montaje: Joel y Ethan Coen. Intérpretes: Josh Brolin, Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Kelly Macdonald, Woody Harrelson, Garret Dillahunt. Guión: Joel y Ethan Coen, basado en la novela de Cormac McCarthy. Música: Carter Burwell. Fotografía: Roger Deakins.

Trama.
En 1982, en la frontera entre Texas y México, dos bandas van a intercambiar drogas por dos millones de dólares pero algo falla y todos los participantes mueren. Un cazador, veterano del Vietnam, encuentra el dinero y huye, perseguido por un asesino a sueldo que no deja testigos además de otros interesados en el botín, y sus destinos se cruzan con el de un policía a punto de retirarse que quiere impedir tanta muerte, en vano pues la tragedia transcurre implacable, azotando a todos lo que se cruzan en la persecución, sean inocentes o culpables.

Opinión.
El filme ganó cuatro Premios Oscar, incluyendo el de mejor película, dirección y guión adaptado para los hermanos Coen, y actor secundario para Bardem. Premios merecidos, porque los hermanos Coen desarrollan una obra magnífica, plena de poderío visual y de fuerza dramática, con un guión que nos ofrece una cruel mirada sobre la realidad del actual Oeste norteamericano, pues en realidad estamos ante un western clásico y moderno, en el que el destino y la violencia son ineluctables.
Bardem traza tal vez el mejor personaje de su carrera, Anton Chigurh, un desalmado asesino psicópata, lacónico y mortífero, con un extraño sentido del honor, y sus apariciones sostienen por sí solas la película, y además el resto del reparto está espléndido: Tommy Lee Jones, como Ed Tom Bell, el sheriff de vuelta de todo, un nihilista desengañado; Josh Brolin como el ambicioso y amoral Llewelyn Moss, y Kelly Macdonald como su dulce y abnegada esposa, Carla Jean Moss. Incluso hay una breve aparición de Woody Harrelson como el sicario Carson Wells. Y el resto de secundarios, una amplia galería de víctimas (o casi si tienen suerte) de Chigurh, compone el típico fondo de gente simplicísima del Medio Oeste que sale en la filmografía de los Coen.
Fuentes.
Redacción. ‘Las películas’. No es país para viejos. “El País” (27-II-2012) 54.

Zodiac (2007), de David Fincher.
Fernández Santos, Ángel. La consagración del cineasta obsesivo. “El País” (17-V-2007) 54.
Lawson, Terry. ‘Zodiac’. Una larga Uistoria de terror. Entrevista a Fincher. “El País” EP3 nº 103 (18-V-2007) 14-15.

Ocaña, Javier. Fincher se reinventa“El País” (18-V-2007) 59.

Comentari. Les murades de Dalt Vila, Eivissa.

Comentari. Les murades de Dalt Vila, Eivissa.
 

Descripció.
Les murades d'Eivissa, construïdes a la segona meïtat del segle XVI, són un exemple molt ben conservat de la tipologia de murades renaixentistes en la perifèria d'Europa, juntament amb les murades de La Valette a Malta i les de l'illa Terceira a les Açores. El recinte té un perímetre de 1.800 metres, amb un tram de 130 metres de costa escarpada que no requereix murs, i tanca una superfície interior de 10 hectàrees.


L'evolució de les obres de les murades i el seu significat.
Desde l’Antiquitat i fins a l’Edat Contemporània, les murades foren les fortificacions fonamentals per protegir les ciutats als indrets més perillosos, gairebé sempre en les fronteres i en la costa. En el cas d'Eivissa, al segle XVI, es juntaven ambdós trets: l'illa era fronterera amb l'Islam que dominava la banda Sud del Mediterrani, i a més l'illa estava situada en la línea de comunicació que unia les illes Balears amb la costa llevantina de la Península i el Nord d'Àfrica amb la costa catalana i francesa. Els enemics més probables llavors eren França i sobre tot els pirates berberiscs de l’Imperi Otomà.
Els primers monarques de la dinastía Habsburg, Carles I (1516-1556) i, sobre tot, Felip II (1556-1598), promogueren uns ambiciosos programes de modernització de les defenses costaneres de la Mediterrània, d’acord amb les últimes innovacions italianes del Renaixement, per Benedetto de Rávena, al servei de Ferran el Catòlic i Carles I, i l’enginyer Giovanni Battistta Calvi, que treballà per Carles I i Felip II.

El primer projecte de Calvi.

El primer projecte, comanat a finals del regnat de Carles I, el va dissenyar Calvi el 1553 i les obres començaren el 1555 i continuaren durant el regnat de Felip II. La traça la formaven sis baluards: Sant Jordi, Sant Jaume, Sant Pere, Sant Joan, Santa Tecla i Sant Bernat. El nou sistema defensiu resseguia el perímetre de la fortificació medieval, que mantenia el triple recinte islàmic i les obres de la fortificació donaren feina a un bon nombre de picapedrers i obrers locals.
Les obres s’iniciaren el gener de 1555, sota la supervisió directa de Calvi, amb la construcció, per la banda de ponent, dels baluards de Sant Jordi i Sant Jaume. L’enginyer abandonà l’illa en març de 1555, quan els baluards de ponent ja estaven molt avançats i s’havia començat el de Sant Pere. Calvi va deixar com encarregat al mestre d'obres eivissenc Antoni Jaume, que l'informà regularment de la lenta marxa de les obres fins al 1562, que va anar a Perpinyà per trobar-se amb ell i llavors va desaparèixer, essent rellevat pel mestre mallorquí Antoni Saura Cobo, que treballà ja al 1563 en la construcció dels fonaments dels baluards de Sant Joan i Santa Tecla i el 1568 de la cortina entre ambdós. Poc després s'inicià l’últim baluard del pla de Calvi, el de Sant Bernat, enfront del Castell; anys després, es treballa al “Cos de Guardia” de la Porta de la Mar, que Calvi va projectar a l’extrem oest de la plaça de Vila.



Plànol  de Fratin (1578).

L’ampliació de la murada comportà l’expropiació de nous terrenys i per fer-se càrrec de l’obra es van contractar nous enginyers i mestres. Com va passar amb Calvi, Fratín no podia quedar-se a Eivissa tot el temps i per ordre de Felip II es va delegar al 1578 en l'engynier Juan Alonso Rubián (Eivissa? 1506-Ciutat de Mallorca, 1596), amb molta experiència al Nord d'Àfrica i Canàries, que es desplaçà a l’illa per seguir el projecte i mantingué una freqüent correspondència  amb Fratín sobre la marxa de les obres. Així sabem que el novembre de 1578 s'ampliava el baluard de Sant Joan i es construïa el revellí i mig cavaller del baluard de Santa Tecla, i després se realitzaren intervencions menors a les casamates i els baluards de Calvi. Rubián obrí la porta del Soto Fosc, com es dedueix d’una carta seua on afirma “ha mandado abrir una calle para entrar cubiertos en la muralla …”. Durant els anys 80 es construí el baluard de Santa Llúcia i la cortina on s’obrí l'entrada principal, la Porta de la Mar, el 1584-1585.
Als anys 90 Rubián va continuar les obres, però al 1595 partí a Mallorca, deixant el control a un nou enginyer, Antonio Juan Miguel Saura, fill del mestre que ja hi havia treballat amb Calvi, que completà el remats dels baluards amb parapets i casamates, acabà les obres del Cos de Guàrdia dins l’entrada de la porta principal i, finalment reformà al baluard de Sant Pere, afegint-li el cavaller de Sant Lluc (el dibuix del projecte de Saura fou remès pel Governador al rei Felip II).
 Anàlisi formal.
La contínua progressió de les armes de foc impulsà una revisió del model medieval, basat en murades altes, verticalment rectes i relativamente primes en la part alta, amb torreons a distàncies regulars. Abans eren aptes per suportar setges amb catapultes i balistes de pedres, però no podien enfrontar els impactes dels canons de setge.
Els arquitectes i engyniers italians del Renaixement desenvoluparen un model nou: murades més baixes i gruixudes, verticalment inclinades per desviar l’impacte, i amb revellins o baluards de murs rectes que sobresurtien el suficient per permetre tirar de flanc als atacants. D'aquesta manera, cada baluard no està dissenyat per defensar-se a si mateix sinó als veïnats, essent així una trama molt més sofisticada i eficaç.
 
La Porta de la Mar, més coneguda com a Portal de ses Taules. Foto antiga, abans de la restauració.

La part més interessant artísticament potser la Porta de la Mar, projectada per Fratin, d'un estil manierista en la traça i en el caràcter monumental, com correspón a una entrada principal. Està flanquejada per dos estàtues romanes (avui hi ha reproduccions) i, sobre l’arc d’entrada hi ha una gran làpida commemorativa amb les dades i la data de 1585, a més de les armes de Felip II i l’escut de la ciutat.

Fonts.
[www.eivissa.es/portal/index.php?option=com_content&view=article&id=291&Itemid= 262&lang=ca] L'entrada en la web del municipi eivissenc sobre les murades renaixentistes dóna la major part de les dades del comentari.
[fabian.balearweb.net/post/108195] [fabian.balearweb.net/post/20466]
AA.VV. Eivissa Patrimoni de la Humanitat. 10 anys: 1999-2009. Ajuntament d'Eivissa. 2009. 195 pp. Les muralles renaixentistes en pp. 14-17.
Pinto de la Rosa, José. Juan Alonso Rubián, ingeniero militar del siglo XVI. "Revista de historia canaria" 121-122 (enero-junio 1958) 114-117. [www.mdc.ulpgc.es/cdm4/item_viewer.php?CISOROOT=/revhiscan&CISOPTR=273& CISOBOX=1&REC=2]

domingo, 26 de febrero de 2012

Arrugas (2011), de Ignacio Ferreras, filme de animación basado en el cómic de Paco Roca.

Arrugas (2011), de Ignacio Ferreras, filme de animación basado en el cómic de Paco Roca.


Fotograma de Arrugas, tomado de "El Periódico".


Arrugas (2011). España. Género: drama de animación. Duración: 90 minutos. Dirección: Ignacio Ferreras. Basado en la historieta de Paco Roca, ganadora del Premio Nacional de Cómic de 2009.

Fuentes.
Costa, Jordi. Donde habite el olvido. “El País” (27-I-2012) 42. ‹‹Arrugas se hizo con el Premio Nacional de Comic en 2008 y alcanzó generosas cifras de ventas que delatan, en nuestro país, que una historieta ha logrado trascender su mercado natural, seduciendo a lectores completamente ajenos al medio. / (…) [El  filme de Ferreras] Arrugas abre, junto con Chico y Rita, un camino posible para la animación adulta de producción española: es una película notable que no devalúa ni tergiversa sus fuentes, y que, en algunos momentos, como ese clímax final construido con gran inteligencia narrativa y deslumbrante despliegue de recursos formales, logra tocar la fuerza de la primera gran obra de madurez de Paco Roca.››
Serra, Xavi. ‘Arrugues’ despulla el drama de la vellesa. “Ara” (1-II-2012) 28. Rememora además tres obras que tocaban el tema de la vejez, las películas de animación Cuando sopla el viento (1986) y Up (2006) y el cómic de Joyce Farmer Un adiós especial (2011).

Mayor Dundee (1964), de Sam Peckinpah.

Mayor Dundee (1964), de Sam Peckinpah.



Mayor Dundee (1964). Major Dundee. EE UU. Género: Western. Duración: 124 minutos. Dirección: Sam Peckinpah. Intérpretes: Charlton Heston, Richard Harris, Jim Hutton, James Coburn, Warren Oates, Ben Johnson, Slim Pickens, Michael Anderson Jr., Mario Adorf, Brock Peters, Senta Berger. Guión: Harry Julian Fink, Oscar Saul, Sam Peckinpah. Música: Daniele Amfitheatrof. Fotografía: Sam Leavitt. Montaje: de los estudios Columbia, sin el director. Producción: Jerry Bressler.
Trama.
Durante la Guerra Civil americana (1861-1865), el mayor Amos Dundee es el jefe de una prisión militar federal, el Fuerte Benlin, en Nuevo México, y sufre un nuevo ataque de la banda de Sierra Charriba, un apache rebelde que se lleva como rehenes a tres niños a su refugio en México. Pero esta vez el mayor Dundee (Charlton Heston), desobedeciendo las órdenes de sus superiores, recluta delincuentes, negros y prisioneros confederados para incluirlos en un destacamento con la misión de perseguir a los indios y rescatar a los niños; pero en México se interponen en su camino no solo los indios sino también las tropas francesas que ocupan el país...
Opinión.
Pronto la película nos deja claros que la caza de Charriba es en realidad un cruel viaje al fondo de las almas de estos hombres destrozados por un destino fatal. Los productores lo vieron de inmediato y la tercera película del gran maestro Peckinpah fue cortada y recortada sin piedad y solo la salvó, en parte, el poder que Heston tenía en Hollywood, lo que es todo un homenaje a la fuerza entonces del star system. Si aun así es una obra genial, ¿qué hubiera sido de fructificar todas las ideas y poderosas imágenes del director?


En todo caso, nos ha legado un western en cierto modo ‘falso’, porque no nos habla del mítico y lejano Oeste de nuestros sueños sino que nos ahoga en él (unos años más y Peckinpah completará la inmersión con la inmensa Grupo Salvaje), nos inunda la pantalla con la contemplación de los abismos de miseria y las cimas de heroísmo que pueden alcanzar los seres humanos. Drama psicológico oscuro, de difícil digestión, de hombres encerrados en sus almas, expuestas a su ineluctable hado en unos paisajes infinitos y tan estériles como sus vidas.
Fuentes.
[www.youtube.com/watch?v=azBQQpcI-Hk]Tráiler (inglés)
[www.youtube.com/watch?v=URKgG2U6dJ0&feature=related] Vídeo de los títulos de crédito.
[www.c1n3.org/p/peckinpah01s/Images/44.html] Fotos y carteles de la filmación en nº 21-47. Destacan las de la bella Berger, muy admirada por todo el equipo.
[www.filmaffinity.com/es/film354440.html] Ficha de la película.
AA.VV. Wikipedia.
Redacción. ‘Las películas’. Mayor Dundee. “El País” (5-II-2012) 58.

Declaración de guerra (2011), de Valérie Donzelli.

Declaración de guerra (2011), de Valérie Donzelli.
Cartel de Declaración de guerra (La guerre est déclarée)

Declaración de guerra (2011). La guerre est declarée. Francia. Género: drama. Duración: 100 minutos. Dirección: Valérie Donzelli. Intérpretes: Valérie Donzelli, Jérémie Elkaïm, Brigitte Sy, Michèle Moretti, Elina Löwensohn, Philippe Laudenbach, Bastien Bouillon, Béatrice de Staël, Anne Le Ny, Frédéric Pierrot. Guión: Jérémie Elkaïm, Valérie Donzelli. Música: Pascal Mayer (selección de Vivaldi, electrónica...). Fotografía: Sébastien Buchmann. Montaje: Pauline Gaillard.
Trama.
Una joven pareja se enfrenta a la grave enfermedad de su hijo, un tumor cerebral, con esperanza y dolor, voluntad de lucha y miedo.
Opinión.
El crítico Carlos Loureda la alaba sobremanera en "Fotogramas":
‹‹Hace falta mucho valor para realizar este film y, más talento e inspiración todavía, para obtener una obra tan bien acabada, sin tropezar en el melodrama fácil, extremo o sus infinitos derivados. La película que abría la Semana de la Crítica de Cannes 2011 contiene varios de los elementos que más rápidamente hacen huir al más aguerrido de los espectadores. Film con niño, mal asunto como bien dijo Hitchcock, y por si fuera poco, enfermo de un tumor cerebral, supongo que a estas alturas la mitad de los lectores deciden no seguir leyendo.
Pues bien, este film es uno de los últimos trabajos que más energía positiva, sonrisas, e incluso risas nada contenidas, y el subidón de optimismo más elevado que me ha provocado el cine en mucho tiempo. (…) la directora ha creado una bomba de relojería perfectamente montada.
Un ritmo incesante, un distanciamiento necesario, unos personajes de una fuerza extraordinaria, decorados y personajes reales como el hospital o varios miembros del personal sanitario, y la utilización de una cámara de fotos ligera que rueda en HD (excepto los últimos planos a cámara lenta del final en 35 mm) aportan una frescura inhabitual para un tema tan grave.››

Javier Ocaña, en Una tortura maravillosa, “El País” (10-II-2012), se maravilla y opina de esta película que fue una revelación en el Festival de Cannes:
‹‹Las palabras tumor cerebral y bebé nunca deberían ir unidas en una misma frase. Y, sin embargo, a veces ocurre. En la vida. En el cine. En el cine que es vida. Declaración de guerra, al mismo tiempo insólita, portentosa, compleja, vivaz, dolorosa, refrescante y terrible película de Válerie Donzelli y Jérémie Elkaïm, pareja (¿o ex pareja?) en la vida real, más que una bocanada de aire fresco, es una tormenta de amor y dolor por la vida. Ella firma como directora y coguionista, además de protagonista femenina, él, como coguionista y actor; ambos han conseguido triunfar con una de las apuestas más arriesgadas del cine reciente. Y, además, con estilo.
Declaración de guerra, de corte autobiográfico, es, como su título indica, una película bélica donde el escenario no es sino la existencia. La de una joven pareja que no está preparada para la batalla (¿alguien lo está?) de enfrentarse al cáncer de su hijo. Durante semanas, meses, años. Minuciosa física y mentalmente en la descripción del dolor de padres e hijo, en las conversaciones con los médicos, en las esperas en los hospitales, en el desgarro de la soledad, en la congoja de lo que aún queda por venir, en las dudas sobre la conveniencia de unas u otras acciones, la película no ahorra nada, es la destrucción. Pero, cuidado, también hablamos de una oda a la vida, de una luminosa apuesta por la fuerza de la naturaleza que a veces es el ser humano. Donzelli lo consigue a través de constantes juegos de sonido e imagen, algún homenaje a la Nouvelle Vague (la carrerilla de Jules y Jim, siempre en la memoria), una banda sonora de impacto donde igual cabe la música barroca que la electrónica, y siempre en contraste con la secuencia, enfrentando los tonos en lugar de subrayarlos. Junto a todo ello, un doble narrador omnisciente, algo poco habitual en el cine contemporáneo, que otorga cierta distancia al relato. Aunque lo que quizá pueda concentrar mejor la magia de esta obra de arte es la magia del montaje; la demostración de que un único plano, inserto en una secuencia de horror, puede desbaratar al espectador y conducirlo hacia el camino de la esperanza.
Donzelli, además, tiene la fuerza moral para no contaminar al espectador con el trago que pudiera suponer crear tensión con la curación (o no) del bebé: desde el principio de la película se sabe gran parte del desenlace. Una historia que levanta ampollas, que acongoja y, perdón, ante la que no se puede apartar la vista, repleta de lágrimas. Es una tortura. Es una maravilla. Dos palabras que tampoco salen normalmente en una misma frase. Y, sin embargo, a veces ocurre: Declaración de guerra.››

Fuentes.
[www.filmaffinity.com/es/film112903.html]
AA.VV. Wikipedia.
Loureda, Carlos. [cine-invisible.blogs.fotogramas.es/2011/09/07/declaracion-guerra-la-guerre-est-declaree-francia-2011/]
Ocaña, Javier. Una tortura maravillosa. “El País” (10-II-2012) 42.

El Sur (1983), de Víctor Erice.

El Sur (1983), de Víctor Erice.


El Sur (1983). España. Género: drama. Duración: 90 minutos. Dirección: Vícor Erice. Intérpretes: Omero Antonutti, Lola Cardona, Rafaela Aparicio, Icíar Bollaín. Guión: Víctor Erice (basado en dos relatos de Adelaida García Morales). Música: Granados, Ravel y Schubert. Fotografía: José Luis Alcaine. Montaje: Pablo G. del Amo. Producción: Elías Querejeta.
Trama.
En el otoño de 1957, en una casa del norte de España, llamada La Gaviota, transcurre la vida aparentemente feliz de una niña, Estrella, y de sus padres, Agustín y Julia. Pero él esconde un secreto y la niña va intuyendo que es otra mujer.
Opinión.
Después de filmar la excelente El espíritu de la colmena Erice estuvo 10 años sin estrenar nuevamente, y entonces alumbró un filme aun superior a aquél en libertad y radicalidad, con imágenes que son “simulacros de vida tan emotivos como estremecedores”. Esta obra restó formalmente inacabada porque no se pudo continuar con la parte final del guión, pero ciertamente la película no se resiente sino que permanece incólume como una obra maestra, sostenida por el vigor narrativo del director con sus virtuosos movimientos de cámara, la enjundia del argumento y de su adaptación con cuidadosas y acertadas elipsis, y la calidad del reparto que encaja como un milagro en sus papeles.
Fuentes.
AA.VV. Wikipedia.
Díaz, José Felipe. [www.unmundodecine.com/2009/01/el-sur-victor-erice-1983.html]
Redacción. ‘Las películas’. El Sur. “El País” (7-II-2012) 54.

Moneyball: rompiendo las reglas (2011), de Benneth Miller.

Moneyball: rompiendo las reglas (2011), de Benneth Miller.


'Moneyball: rompiendo las reglas' (2011). Moneyball. EE UU. Género: drama deportivo. Duración: 133 minutos. Dirección: Benneth Miller. Intérpretes: Brad Pitt, Jonah Hill, Philip Seymour Hoffman, Robin Wright, Chris Pratt. Guión: Steven Zaillian y Aaron Sorkin. Música: Michael Danna. Fotografía: Wally Pfister. Montaje: Christopher Tellefsen.
Trama.
Basada en hechos reales: Billy Beane, un exjugador de béisbol metido a entrenador, cambia los modos usuales de selección de jugadores para el equipo de Oakland, y comienza una senda de éxito al tiempo que madurará como persona.
Opinión.
Javier Ocaña, en El ala Oeste del deporte, “El País” (3-II-2012), la comenta  muy favorablemente: ‹‹¿Una película sobre deporte? No solo eso: una película sobre los pioneros, sobre los que más sangran porque son los primeros que se dan contra el muro; sobre el modo de experimentar el aliento del triunfo y del fracaso; sobre la constancia, la nobleza y la profesionalidad; sobre la vida, porque todo es extrapolable a ella. Una obra extraordinaria que sin ser solo una película deportiva es una de las mejores películas sobre deporte de la historia. Y, atención, sin secuencias de partidos; apenas uno, y entrecortado.
Quizá todo tenga una explicación. Dos nombres: Steven Zaillian y Aaron Sorkin, reputadísimos guionistas. El primero creó en 1993 otra de las grandes películas de deporte (pero no solo de deporte): En busca de Bobby Fischer. El segundo, que comenzó su carrera en televisión con una serie sobre periodismo deportivo, Sports night, es el hombre de las historias de equipo, de los valores conjuntos, del esfuerzo, de la brillantez, de la gloria, de la tumba; ¿qué son, si no, El ala Oeste de la Casa Blanca, Studio 60 y La red social?
Ambos, con la excelente complicidad formal de Benneth Miller, han creado un libreto para Moneyball que trasciende el deporte. Donde una reunión de trabajo puede ser una clase de economía para la crisis; donde una compra-venta de jugadores por teléfono, más emocionante que la Bolsa; donde detalles, casi beckettianos, como ese protagonista que vive para los partidos pero luego no los ve, se dan la mano con enseñanzas de gran psicología: “No podemos fichar a ese, tiene una novia fea”; “¿Y eso qué tiene que ver?”; “Eso revela inseguridad”.››
Fuentes.
[www.cinemanet.info/2012/02/moneyball-rompiendo-las-reglas/]
AA.VV. Wikipedia.
Ocaña, Javier. El ala Oeste del deporte. “El País” (3-II-2012) 38.

Caballo de batalla (War Horse) (2011), de Steven Spielberg.

Caballo de batalla (War Horse) (2011), de Steven Spielberg.

Cartel de Caballo de batalla (War Horse)

Caballo de batalla’ (2011). War Horse. EE UU. Género: drama bélico. Duración: 146 minutos. Dirección: Steven Spielberg. Intérpretes: Jeremy Irvine, Peter Mullan, Emily Watson, David Thewlis, Benedict Cumberbatch, Niels Arestrup, Toby Kebbell, Tom Hiddleston. Guión: Lee Hall y Richard Curtis. Música: John Williams. Fotografía: Janusz Kaminski. Montaje: Michael Kahn.
Trama.
Las aventuras de un caballo reclutado para servir en la I Guerra Mundial y de quienes le rodean.
Opinión.
Jordi Costa, en Trotar en tiempos de guerra, “El País” (10-II-2012), hace una sólida alabanza ‘fordiana’ de esta obra:
‹‹(…) Adaptación de la novela juvenil de Michael Morpurgo que Nick Stafford convirtió en celebrado montaje escénico en el National Theatre de Londres, War horse es una historia de solidaridades (no solo humanas) sobre el telón de fondo del horror —encarnado en la Primera Guerra Mundial—, que convierte al caballo del título en el nexo de unión entre una serie de personajes que, por lo general, darán lo mejor de sí mismos en el peor de los momentos posibles. Es un material delicado —propenso a un exceso sentimental que Spielberg no evita—, pero que acaba cristalizando en una película extraordinaria, sobrecargada de fuerza y energía, donde el cineasta revela pleno dominio de su elocuencia expresiva.
War horse puntúa su recorrido con contundentes hallazgos formales: las aspas del molino sincronizadas con una ética de la mirada, la elegante elipsis que marca la desaparición de un importante personaje durante una carga de caballería o la trayectoria de ese obús que une, entre trincheras, a las dos figuras principales del drama son solo algunos vistosos ejemplos de esa tensión formal que el cineasta coloca, en todo momento, al servicio del relato.
El genio de Spielberg es exhibicionista, pirotécnico y expansivo: está hecho de otra madera que el genio sutil, orgánico y natural que parecía exhalar John Ford sin aparente esfuerzo, pero es genio al fin y al cabo. En War horse la búsqueda de la excelencia está marcada por una intensidad agotadora, pero también hay lugar para momentos tan frágiles como el que ilustra un silencioso diálogo entre caballos en la encrucijada de su supervivencia.››
Fuentes.
[peliculas.labutaca.net/war-horse]
AA.VV. Wikipedia.
Ruiz Mantilla, Jesús. Entrevista. Spielberg cabalga la I Guerra. “El País” Semanal 1.841 (8-I-2012) 40-47.
Costa, Jordi. Trotar en tiempos de guerra. “El País” (10-II-2012) 42.
Bermejo, Alberto. Hazañas hípicas. “El Mundo” La Luna de Metrópoli nº 407 (17-II-2012) 4. Critica el exceso sentimental en War Horse.
Antón, Jacinto. Una lanza por ‘War horse’. “El País” Cataluña (18-II-2012) 5. La épica participación de los caballos en la I Guerra Mundial.

J. Hoover (2011), de Clint Eastwood.

J. Hoover (2011), de Clint Eastwood.


J. Hoover (2011). EE UU. Género: drama. Duración: 137 minutos. Dirección: Clint Eastwood. Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Armie Hammer, Naomi Watts, Judi Dench, Geoff Pierson. Guión: Dustin Lance Black. Música: Clint Eastwood. Fotografía: Tom Stern. Montaje: Joel Cox, Gary Roach.
Trama.
Hoover fue el primer y más longevo director del FBI y aquí se muestra una selección de momentos de su vida, entreverando los grandes momentos históricos con su relaciones personales.
Opinión.
Una película morosa, rodada casi toda en interiores y además concentrada en una personalidad, que por compleja que sea, nunca acaba de atraernos. Es la menos conseguida de las últimas obras de Eastwood, pero aun así se reconoce su talento mayúsculo en el ritmo visual, en la selección de los planos, en la firme dirección de los actores, entre los que destaca, como no un DeCaprio cada año más maduro y conocedor de los secretos del oficio. En suma, un filme notable, pero no excelente.
Javier Ocaña, en Cuestión de maquillaje, “El País” (27-I-2012), comenta muy equilibradamente los puntos fuertes y débiles del filme:
‹‹Leonardo DiCaprio, Armie Hammer y Naomi Watts interpretan tres personajes que en unas secuencias son veinteañeros y en otras ancianos, así que al grano: en películas como J. Edgar, que abarca cincuenta años de vida, una decisión inicial esencial es si se opta por el maquillaje o por la duplicidad interpretativa. Qué es más grande: ¿el poder de la narrativa o el de la cosmética? ¿Importa más la credibilidad física o la intensidad emocional? Triple respuesta: depende del tiempo que tengan que estar en pantalla, de lo buenos que sean los actores y el maquillaje, y de la historia que se esté contando. Así, estas transformaciones suelen funcionar cuando se trata de apenas una secuencia, normalmente un epílogo. No es el caso: el metraje donde son viejos rondará el tercio. Además, la interpretación debe ir más allá del tono de voz; debe incluir un estado corporal, incluso un tipo de mirada. DiCaprio y Watts lo resuelven con talento, pero cada aparición del Hammer viejo enciende las alarmas: por la calidad del maquillaje y por su actuación. En cuanto al tipo de historia, los momentos de ancianidad no son baladíes, estamos ante una gran historia de amor homosexual; reprimida, pero historia de amor. Y ahí el cambio de intérpretes hubiese encendido la emoción.
Por lo demás, J. Edgar, excelente en casi todo, es puro Clint Eastwood. Ahí están la luz tenue y sus matices pictóricos, su cadencia, delicadeza y el apasionante retrato de un hombre contradictorio. (…)››
Fuentes.
AA.VV. Wikipedia.
Ayuso, Rocío. Entrevista. Leonardo DiCaprio / Actor. ‘La manera de Hoover de sentirse querido era el abuso de poder’. “El País” (27-I-2012) 40.
Ocaña, Javier. Cuestión de maquillaje. “El País” (27-I-2012) 40.

El jovencito Frankenstein (1974), de Mel Brooks.

El jovencito Frankenstein (1974), de Mel Brooks.


El jovencito Frankenstein’ (1974). EE UU. Género: comedia. Duración: 106 minutos. Dirección: Mel Brooks. Intérpretes: Gene Wilder, Marty Feldman, Peter Boyle, Teri Garr, Madeline Kahn, Cloris Leachman, Kenneth Mars. Guión: Mel Brooks, Gene Wilder, sobre los personajes de Mary Shelley. James Garner. Música: John Morris. Fotografía: Gerald Hirschfeld.
Trama.
El joven Frederick, un neurólogo feliz y tranquilo, recibe la noticia del fallecimiento de su abuelo, Frankenstein y parte a Transilvania a hacerse cargo de la herencia, que incluye un ayudante y un proyecto…
Opinión.
Una película groseramente divertida, bulliciosa, de ritmo incansable, que no aburre ni un solo instante al público adulto que la vea con ojos ingenuos, los de un divertimento sencillo sin aspiraciones intelectuales. Pero si deseamos ver más allá de su superficie vemos una jocosa deconstrucción del género de películas de terror de la Hammer, y un guión sabiamente equilibrado, que nos presenta una aventura hilarante, absurdamente surrealista, a ratos encantadora. Un filme que ha envejecido muy bien.
Fuentes.
AA.VV. Wikipedia.
Belinchón, Gregorio. Una extraña familia marcada por un aterrador apellido. “El País” (18-II-2012) 46.

lunes, 13 de febrero de 2012

Historia del Arte de la Edad Moderna: bibliografía, noticias y exposiciones.

Historia del Arte de la Edad Moderna: bibliografía, noticias y exposiciones.
Algunos artistas, como Caravaggio y Leonardo, figuran en entradas particulares.

Exposiciones.
<Watteau 1684-1721>. París (1984). Cat. Textos de Gras­selli, Margaret M.; Rosenberg. 587 pp.
<Reynolds>. París (1985). Cat. RMN. Textos de Penny, Nicholas; Rosenberg, Pierre.
<Gothic and Renaissance Art in Nu­remberg 1300-1550>. Nu­remberg (1986). Cat. Pres­tel. Munich. Textos de Wenderhorst, Alfred; et al.   
<Boucher>. Pa­ris (1986). ERMN. Cat. Textos de Montebe­llo, Phi­lippe de; Laing, A.; et al. 413 pp.
<Fragonard>. París (1987). Nueva York (1987). ERMN. Cat. Tex­tos de Rosenberg, 635 pp.
<Art in the making. Rembrandt>. Londres. National Gallery. (1988). Cat. Textos de Bomford, David; Brown, Christopher; Roy, As­hok.
<Miguel Jacinto Meléndez (1679-1734)>. Madrid. Museo Muni­cipal (1990). Cat. 107 pp.
<Alonso Sánchez Coello y el retrato en la Corte de Felipe II>. Museo del Prado. Ma­drid (1990). Cat. Texto de Serrera, José Miguel.
<Velázquez>. Madrid. Museo del Prado (1990). Cat. Textos de Domínguez Ortiz, Antonio; Pérez Sánchez, A. E.; Gálle­go, J. 467 pp.
<Titian>. Ve­ne­cia. Palazzo Grassi (1990). Cat. Prestel. Munich. 1990. Textos de Valca­nover, Francesco; et al. pp.
<L'Architet­tura di Lorenzo il Magnifico. (1992). Cat. C. Balsa­mo. Silvana (Italia). Textos de Morolli, Gabriele; et al (ed.).   
<Reyes y Mecenas. Los Reyes Católicos. Maximiliano I y los inicios de la Casa de Austria en España>. To­le­do. (1992). Cat. Ed. Ministerio de Cultura. Madrid. 1992. 629 pp.
<La pintu­ra holandesa del Siglo de Oro: la escuela de Utrecht>. Madrid. Sala Exposiciones BBV (14 octubre 1992-30 enero 1993). Cat. Texto de Luna Meyere. 259 pp.
<Filippo Juvara 1678-1736. De Mesina al Palacio Real de Madrid>. Madrid. Salones de Génova, Palacio Real (abril-junio 1994). Cat. Ed. Electa. Madrid. 487 pp.
<Damián Forment. Escultor renacentista>. Valencia. Centre Cul­tural Bancaixa (14 diciembre 1995-28 enero 1996). Cat. 327 pp.
<Rodolfo II e Praga>. Praga. Castillo (30 mayo-7 septiem­bre 1997). Cat. 920 pp. 1.565 ilus. en negro y 250 en color. Eds. italiano, checo, alemán, inglés.
<Lorenzo Lotto, un maestro redescubierto del Renacimien­to>. Washington. National Gallery (2 noviembre 1997-1 marzo 1998). Bérgamo. Accademia Carrara (2 abril-28 junio). París. Grand Palais (12 octubre 1998-11 enero 1999).
<Felipe II en la Biblioteca Nacional>. Madrid. Biblioteca Nacional (abril 1997-marzo 1998).
<De lo divino a lo humano. Rembrandt en la Biblioteca Nacional>. Madrid. Sala BBK (30 marzo-31 mayo 1998). Cat. 215 pp.
<Las Sociedades Ibéricas y el Mar a finales del siglo XVI. Arte y sociedad en un cam­bio de siglo>. Lisboa. Pabellón de España en la Exposición Universal (mayo-julio 1998).
<Felipe II. La Monarquía Hispánica>. El Escorial, Madrid. Monasterio de El Escorial (mayo-octubre 1998).
<La nature morte en Hollande, 1550-1720>. Amsterdam. Rijksmuseum (julio-19 sep­tiembre 1999). Cat. Reseña en Bonnafoux, Pascal. Natures mortes du siècle d=or hollandais. “Bea­ux Arts”, 182 (VII-1999) 48-57.
<Los ingenios y las máquinas en la época de Felipe II>. Madrid. Pabellón Villanueva del Real Jardín Botánico (septiem­bre-noviembre 1998).
<Felipe II: El rey íntimo. Naturaleza y jardín en el siglo XVI>. Aranjuez, Madrid. Palacio Real (septiem­bre-noviembre 1998).
*<The Triumph of the Baroque: Architecture in Europe 1600-1750>. Turín. Palazzo Stupinigi (4 julio-7 noviembre 1999). Cat. Reseña “Apollo” v. 40, nº 454 (XII-1999) 3-9.
*<El esplendor de Flandes. Arte de Bruselas, Amberes y Malinas en los s. XV-XVI>. Palma de Mallorca. Fundació La Caixa (21 septiembre-octubre 1999). Cat.
<Felipe II. Príncipe del Renacimiento>. Madrid. Museo del Prado (octubre 1998-enero 1999).
<Las tierras y los hombres del Rey>. Valladolid. Museo Nacional de Escultura-Palacio de Villena (octubre 1998-enero 1999).
<El Oro y la Plata de los Austrias. Las finanzas de la España Imperial>. Madrid. Instituto de Crédito Oficial (octubre 1998-enero 1999).
<Velázquez y Sevilla>. Sevilla. Monasterio de La Cartuja de Santa María de las Cuevas (2 octubre-12 diciembre 1999). 22 pinturas de la etapa sevillana (1617-1623). Cat. 2 vols. de 250 pp. cada uno. Comisario: Alfredo Morales. Textos de Morales et al.
<Gregorio Fernández>. Madrid. Fundación BSCH. (30 noviembre 1999-30 enero 2000). 44 esculturas, y dos pinturas de otros artistas. Comisario: Jesús Urrea.
<Colección de Pintura Antigua Española y Flamenca de los siglos XVI y XVII>. Palma. Casal Solleric (9 mayo-18 junio 2000). 26 obras de Pieter van Lint (Baco, Ceres, Proserpina y Plutón), Antonio Arias, Antonio del Castillo, Jacob Jordaen, Francisco de Zurbarán, José de Ribera, Claudio Coello, Alonso Cano. Col. Forum Filatélico.
<Zurbarán. La obra final: 1650-1664>. Bilbao. Museo de Bellas Artes (10 octubre 2000-14 enero 2001). 25 obras (seis nunca expuestas en España). Desde 1650, por la crisis social (la peste, la miseria...), el gusto artístico en España se hace más dramático, barroquizante, escenográfico y efectista, con mayor influjo de Rubens y Van Dyck.
*<Los grandes maestros de la pintura flamenca en el siglo de Rubens>. Salamanca. Palacio de San Boal (28 febrero-30 abril 2002). 94 obras de 33 artistas flamencos: Rubens, Jan Brueghel, Jacob Jordaens, Pieter Van Lint, Jan Van Kessel, Anton Van Dyck, Pieter Van Halen, David Teniers el Joven... Comisario: Nicolas van Hout.
<Alberto Durero y su tiempo>. Girona. Fundació La Caixa (septiembre-noviembre 2001). Salamanca. Museo Art Nouveau y Art Déco, Casa Lis (diciembre 2001-febrero 2002). Palma de Mallorca. Centro Cultural Fundació La Caixa (marzo-junio 2002). Cat. Textos de Till Holger Borchert. 202 pp.
*<Vermeer y el interior holandés>. Madrid. Museo del Prado (19 febrero-18 mayo 2003). 9 obras. Comisario: Alejandro Vergara. Cat. / Reseña de Valeriano Bozal. Vermeer. “Descubrir el Arte”, año V, nº 48 (II-2003) 14-27.
<Tiziano>. Londres. National Gallery (febrero 2003). 40 obras. Madrid. Museo del Prado (9 junio 2003).
<Miguel Ángel. Dibujos del Louvre>. París. Louvre (26 marzo-23 junio 2003).
*<Triumphal finery: Mannerism in the Art of Italian Armour>. Ginebra. Musée Rath (20 mayo-20 julio 2003). Cat. Textos de Jose-A. Godoy; Silvio Leydi. Reseña de Ian Eaves en “Apollo”, v. 159, nº 503 (I-2004) 57-58.
<Hans Holbein, 1497-1543>. La Haya. Mauritshuis (15 agosto-16 noviembre 2003). Reseña y especial en AA.VV. “Descubrir el Arte”, año IV, nº 54 (VIII-2003) 12-34. [www.hans­holbein.nl]
*<Gothic Art For England 1400-1547>. Londres. Victoria and Albert Museum (9 octubre 2003-18 enero 2004). Cat. Textos de Richard Marks: Paul Williamson. Reseña de Willibald Sauerländer en “Apollo”, v. 159, nº 503 (I-2004) 59-60.
*<Graceful and True: Drawing in Florence c. 1600>. Oxford. Ashmoleam Museum (15 octubre 2003-18 enero 2004). Cat. Textos de J. Brooks; C. Whistler. Reseña de Minna Moore Ede en “Apollo”, v. 159, nº 503 (I-2004) 56-57.  
<Hendrick Goltzius, Dutch Master (1558-1617): Drawings, Prints, and Paintings>. Toledo, Ohio. Toledo Museum of Art (2004). Reseña de Faye Hirsch en “Art in America”, nº 1 (I-2004) 76-83. Gozius fue un artista manierista holandés.
<Perugino le divino pittore>. Perugia. Galleria Nazionale dell=Umbria (28 febrero-18 julio 2004). Hay otras cinco exposiciones dedicadas a Perugino en la zona. Reseña de Castan­det, Christophe. Le divin Pérugin. “Connaissance des Arts” 613 (II-2004) 36-47.
*<Los maestros del grabado en la Colección del British Museum (siglos XV-XX)>. Palma de Mallorca. Centro Cultural Fundació La Caixa (febrero-abril 2004). Cat. Textos de Mark McDonald. 221 pp.
*<Lo fingido verdadero. Bodegones españoles de la colección Naseiro adquiridos por el Prado>. Madrid. Museo del Prado (noviembre 2006-7 enero 2007). Reseña de Calvo Serraller, F. Una colección excepcional. “El País”, Babelia 781 (11-XI-2006) 19.
*<Entre lo sagrado y lo profano. El Renacimiento en Prato>. Barcelona. Caixafórum (2008). Fondos del Museo Cívico de Prato. Reseña de Roberta Bosco. Devoción pública y devoción privada. “El País” Cataluña (18-VI-2008) 12.
*<La Orden del Toisón de Oro y sus soberanos>. Madrid. Fundación Carlos de Amberes (1 diciembre 2011-26 febrero 2012). Cat. Textos de Fernando Checa, Joaquín Martínez-Correcher y Víctor Mínguez. Reseña de Azúa, Félix de. Caballería de chispa y pedernal. “El País” (22-XII-2011) 46.
<Goya. Luces y sombras>. Barcelona. CaixaForum (15 marzo-24 junio 2012). Comisarios: Manuela B. de Mena y José Manuel Matilla. Reseña de Martí Font, J. M. Don Francisco de Goya coge el AVE. “El País” (16-III-2012) 42.
*<Artemisia, poder, gloria y pasiones de una mujer pintora>. París. Musée Maillol (hasta 15 julio 2012). 40 obras de Artemisia Gentileschi y 20 de sus contemporáneos. Reseña de Mora, Miguel. Al principio estuvo Artemisia. “El País” (20-III-2012) 38.
*<Ticiano>. Londres. National Gallery (desde 4 abril-2012). La huida a Egipto de Tiziano y 26 obras relacionadas de pintores venecianos. Comisaria: Antonio Massotta. Reseña de García, Ángeles. Tiziano sale de viaje tras ‘pasar la ITV’. “El País” (29-III-2012) 23. Tiziano. La huida a Egipto (1507), óleo sobre tela (206 x 336). Col. Museo del Hermitage, San Petersburgo. Tiziano (c. 1485-1576), alumno de Giovanni Bellini y Giorgione. Especialistas: Irina Artémieva y Antonio Massotta.
<Las artes de Piranesi>. CaixaForum. Barcelona. (24 abril-9 septiembre 2012). Reseña de Monteys, Xavier. Piranesi i la ciutat. “El País” Quadern 1.459 (25-X-2012) 5.
<El último Rafael>. Madrid. Museo del Prado (12 junio-16 septiembre 2012). 70 obras. Comisarios: Paul Jaonnides, Tom Henry. Reseñas de Seisdedos, Iker. Visita a Rafael antes de su viaje a Madrid. “El País” (12-V-2012) 46. / Seisdedos, Iker. Rafael. “El País” Semanal 1.862 (3-VI-2012) 64-70.
<Francesco Guardi, 1712-1793>. Venecia. Museo Correr (28 septiembre 2012-6 enero 2013). 50 pinturas y 70 dibujos. Comisario: Alberto Craievich. Reseña de Fernández, Milena. Guardi se sube otra vez a la góndola. “El País” (9-XI-2012) 38.
<Rafael. Drawings>. Fráncfort. Städel Museum (7 noviembre 2012-3 febrero 2013). Reseña de  Vicente, Alex. Rafael Sanzio, genio del esbozo y del dibujo. “El País” (9-XI-2012) 39.

*<La edad de oro de la corte inglesa, de Enrique VIII a Carlos I>. Moscú. Kremlin (2013). 175 obras. Rodríguez, Jesús. Del Kremlin a Kensington. “El País” Semanal 1.901 (3-III-2013) 18-21.
*<Tesoros de la corte real: Tudor, Estuardo y los zares rusos>. Londres. Victoria & Albert Museum (9 marzo 2013). Rodríguez, Jesús. Del Kremlin a Kensington. “El País” Semanal 1.901 (3-III-2013) 18-21.
*<El trazo español en el British Museum. Dibujos del Renacimiento a Goya>. Madrid. Museo del Prado (19 marzo-16 junio 2013). 71 obras. Comisario: Mark P. McDonald. Seisdedos, Iker. La España plural se dibuja en el Prado. “El País” (20-III-2013) 40. Mena, Manuel. El lado oscuro del arte español. “El Cultural” (22-III-2013) 26-27. Video de presentación en [http://www.museodelprado.es/pradomedia/]


Libros.
AA.VV. El Escorial 1563-1963. IV Centenario... Patrimonio Na­cional. Madrid. 1963.
AA.VV. Colloque International: Individu et société à la Re­naissance (1965). Presses Universitaires. Bruselas. 1965.
AA.VV. Della Francesca. Conferencia internacional en Urbi­no, Arezzo y Sansepolcro (5-12 octu­bre 1992).
AA.VV. La visión del mundo clásico en el arte espa­ñol. Jornadas de Arte del Departa­mento de Historia del Arte ‘Diego Velázquez’ del Centro de Estudios Históricos del CSIC (1992: Madrid). Alpuerto. Madrid. 1993.
Baudiquey, Paul. Rembrandt. ACR-Vilo. Paris. 1984. 256 pp.
Baxandall, Michael. Pintura y vida cotidiana en el Renaci­mien­to. Gustavo Gili. Barcelo­na. 1978.
Baxandall, Michael. Modelos de intención. Sobre la expli­cación histórica de los cua­dros.
Baxandall, Michael. Giotto y los oradores. La visión de la pintura en los humanistas italianos y el descubrimiento de la composición pictórica 1350-1450. Visor. Madrid. 1996 (1971 in­glés). 302 pp.
Baxandall, Michael. Las sombras y el Siglo de las Luces. Visor. Madrid. 1997. 201 pp. 54 ilus.
Bellori, Giovanni Pietro; Félibien, André; Passeri, Gio­vanni Battista; San­drart, Joachim Von. Vies de Poussin. Macula. París. 1994. 290 pp. Cuatro vidas escritas en el s. XVII.
Bellosi, Lu­ciano. La oveja de Giotto. Akal. Madrid. 1992 (1985). 324 pp.
Belting, Hans. Florence and Baghdad: Renaissance Art and Arab Science. Trad, de Deborah Lucas Schneider. Belknap Press/Harvard University Press. Cambridge, Massachusetts. 2011 (alemán 2008). 312 pp. Reseña de Roxburgh, David J. Two-Point Perspective. “ArtForum”, v. 50, nº 8 (IV-2012) 61-64. Roxburgh, profesor de arte islámico en la Harvard University, critica a Belting su escaso conocimiento del arte islámico pues hace sólo breves y superficiales referencias basadas en estereotipos del siglo XIX, y que se centre apenas en la recepción del filósofo y científico Alhazen (965-1040) en Europa, especialmente sus teorías sobre la óptica y la perspectiva.
Cabanne, Pierre. L'art classique et le baroque. Bordas. París. 1987. 111 pp.
Cabra Loredo, María Dolores. Iconografía de Sevilla: 1400-1650. El Viso. Madrid. 1988.
Caglioti, Francesco. Donatello e i Medici: Storia del ‘David’ e della ‘Giuditta’. Leo S. Olschki Editore. 2000. 2 vols. Reseña en “Apollo”, v. 144, n. 478 (XII-2001) 58.
Cahn, Walter. Obras maestras. Ensayo sobre la histo­ria de una idea. Alianza Forma. Madrid. 1989 (1979). 165 pp.
Cali, Maria. De Miquel Angel a El Escorial. Akal. Madrid. 1994.
Calvo Serraller, Francisco. Teoría de la Pintura del Siglo de Oro. Cátedra. Madrid. 1981. 699 pp. Ensayos del autor y tex­tos.
Cardini, Franco. Europa 1492. Retrato de un continente hace quinientos años. Anaya. Madrid. 1492.
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Cayeux, Jean de. Hubert Robert et les jardins. Herscher. Pa­ris. 1987.
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Cennini, Cennino. El Libro del Arte. Akal. Madrid. 1988. 264 pp.
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Chastel, A. El Renacimiento Meridional. Italia 1460-1500. Aguilar. Madrid. 1965. 383 pp.
Chastel, A. El mito del Renacimiento 1420-1520. Skira. Barce­lona. 1968.
Chastel, A. La crisis del Renacimiento 1520-1600. Skira. Bar­ce­lona. 1968.
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Chastel, A. Chronique de la peinture italienne à la Re­naissance. Office du Livre. Fri­bourg. 1983.        
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Domínguez Casas, Rafael. Arte y etiqueta de los Reyes Ca­tólicos: artistas, residencias, jardines y bosques. Alpuerto. Madrid. 1993.
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Ruiz del Árbol, Maruxa. Pequeña guía de la toscanidad. “El País” El Viajero 722 (24-VIII-2012) 1-4. La región italiana de Toscana.
Álvarez, Tomás. La gran escalera zigzagueante. “El País” El Viajero 724 (7-IX-2012) 6. Dos monumentos de la ciudad portuguesa de Braga, la iglesia visigoda de San Fructuoso y el conjunto religioso barroco del Born Jesús do Monte, con su empinada escalera y la iglesia en la cima.
Falomir, Miguel. La Capilla Sixtina, en la encrucijada. “El País” (4-XI-2012) 40-41.

Magi, Lucía. Noticias de América en el Vaticano. “El País” (11-V-2013) 42. La restauración de un fresco (1494) de Pinturicchio muestra la que podría ser la primera representación de indígenas americanos.