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Mis blogs son Altamira (Historia del Arte, Cine, Cómic, Fotografía, Moda), Heródoto (Actualidad, Ciencias Sociales y Pensamiento) y Mirador (Joan Miró, Arte y Cultura Contemporáneos).y Pensamiento, Religión y Teo

jueves, 21 de septiembre de 2017

El escritor y artista español Joan Brossa (1919-1999).

El escritor y artista español Joan Brossa (1919-1999).

Joan Brossa (Barcelona, 19-I-1919 a 30-XII-1999; muchas fuentes datan su muerte en 1998). Poeta, dramaturgo, creador gráfico, grabador, artista experimental en poesía visual, amante de la música, con un estilo surrealista y automático. Hijo de un artesano y una cantante de zarzuela, vive solitario y pobre, incluso sin vivienda, hasta que se empareja en 1972 con la poetisa Pepa Llopis (fallecida en junio de 2011), su principal apoyo y con la que vivirá en su casa del 25-27 de la calle Génova, que se convierte en un foco de interés para los vanguardistas barceloneses, y alcanza el éxito sólo en sus últimos años, cuando supera la penuria que marcó toda su vida y es seleccionado junto a Carmen Calvo para la XLVII Bienal de Venecia, de 1997.
Siempre fue catalanista y antiburgués, y se dirigió a un público minoritario por lo que apenas vendió sus libros ni sus obras de arte y apenas cobró por sus espectáculos, casi todos no comerciales. Desdeñaba el dinero y ni siquiera perseguía la fama, que en todo caso le vino solo en sus últimos años.

Comienza como poeta en 1941, influido sobre todo por Rimbaud y Mallarmé, el pensamiento de Nietzsche y Freud y, finalmente, Joao Cabral de Melo, y defiende que la poesía para evitar morir debe buscar la realidad. Miembro fundador del grupo Dau al Set, colaborará con Miró, Tàpies, miembros del grupo El Paso y otros artistas. En 1944 escribe su primera obra teatral, El corp desert —recogida en Teatre complet (seis volúmenes con su obra teatral)—, y los libros Dragolí (1950), Em va fer Joan Brossa (1951), Poesia rasa (1970), Poemes visuals (1975), Rua de llibres (1980).

Gran amigo de Miró (le conoce tal vez ya en 1941, aunque su amistad se confirma en 1948), realizan obras en colaboración: Poemes civils (1961), Oda a Joan Miró (1973), Tres Joans (1978), así como exposiciones conjuntas. Donó una obra a la colección permanente de la FJM en 1986, en ocasión de su primera antológica, en la misma FJM. Le entrevisté sobre su relación con Miró, en Barcelona en los veranos de 1996 y 1997, amén de tener una charla posterior en una visita suya a la FPJM de Palma de Mallorca.
La biblioteca personal de Brossa está abierta al público del 2002 al 2012, en la Fundació Vila Casas, por un acuerdo con la Fundació Brossa, y en enero de 2003 abrió una web la Fundació Brossa. La Fundación, desamparada tras la muerte de su viuda, cerró su espacio expositivo en 2012 y cedió su gran legado (ya donado en buena parte en 1987 a cambio de una pensión vitalicia) a la ciudad de Barcelona.
Fuentes.
Internet.

Exposiciones.
<Joan Brossa o les paraules són les coses>. Barcelona. FJM (2 octubre-16 noviembre 1986). Cat. 141 pp.
*<L’avantguarda de l’escultura catalana>. Barcelona. Centre d’Art Santa Mònica (28 septiembre-octubre 1989). 130 obras de 30 escultores: Gargallo, Miró, Picasso, Tàpies, Dalí, Brossa... Palma. Llotja (2 mayo-junio 1990). 51 obras de Miró, González... Cat. s/p. Texto de Josep Miquel Garcia.
<Joan Brossa. Poesia visual i poemes objecte>. Barcelona. Galeria Joan Prats (noviembre-diciembre 1989). Cat. s/p.
<Joan Brossa. 1986-1991 Poemas objeto e instalaciones>. Vitoria. Sala Amárica de Diputación Foral de Alava (1991). Cat. 127 pp.
<Brossa: 1941-1991>. Madrid. MNCARS (7 febrero-29 abril 1991). Cat. 251 pp.
<Joan Brossa, entre les coses i la lectura>. Barcelona. Palau de la Virreina (25 marzo-22 mayo 1994). Cat. 151 pp.
<Joan Brossa. Poemes objecte, poemes visuals i un muntatge>. Palma de Mallorca. FPJM (19 diciembre 1994-26 febrero 1995). Cat. 35 pp.
*<Joan Brossa o la revolta poètica>. Barcelona. FJM (23 febrero-27 mayo 2001). Obras de Brossa, Miró y otros artistas. Cat. Textos de Manuel Guerrero y otros (Borràs, M.L. Tres Joans: Joan Brossa, Joan Prats i Joan Miró, 46-55). 543 pp.
<Me hizo Joan Brossa>. Barcelona. Espai Volart (19 diciembre 2002-15 marzo 2003). Bibliografía de Brossa.
*<Brossa y su tiempo>. Barcelona. Espai Volart (19 diciembre 2002-15 marzo 2003). Obras de John Baldessari, Cristian Boltanski, Marcel Broodthaers, Hans Haacke, Antoni Llena, Bruce Nauman, Janis Kounellis, Mario Merz, Antoni Miralda, Eugènia Balcells... Comisaria: M.L. Borràs.
<Poesía Brossa>. Barcelona. Macba (21 septiembre 2017-25 febrero 2018). Reseña de Bernat, Roger. ‘O serveix tot o no serveix res’. “El País” Babelia 1.347 (16-IX-2017). / Montañés, J. Á. La magia poética de Joan Brossa inunda el Macba con 1.500 piezas. “El País” (20-IX-2017). / Portabella, Pere. Poeta irregular. “El País” (20-IX-2017).

Libros de Brossa.
Brossa, Joan. Poesia i prosa. L’Estel 3 i 4. Valencia. 1995. 301 pp. Museu Miró, 136-145. Pieza de teatro, pub. en “Leteradura”, Barcelona 4-5 (abril-mayo 1976). Estrenada en 1993.
Brossa, Joan. La piedra abierta. Galaxia Gutenberg / Círculo de Lectores. Barcelona. 2003. Antología bilingüe, seleccionada por Manuel Guerrero, con liminar de Pere Gimferrer.
Brossa, Joan. Prosa completa i textos esparsos. RBA / La Magrana. Barcelona. 2013. 768 pp. Ressenya de Castaño, Manuel. Prosa Brossa. “El País” Quadern 1.511 (23-I-2014) 6. Destaquen les reflexions sobre art.

Libros de otros.
Bozal. Pintura y escultura españolas del siglo XX (1939-1990). 1992: 216-220.
Coca, Jordi. Joan Brossa: oblidar i caminar. La Magrana. Barcelona. 1992. 152 pp.
Cortés, José Miquel G. (ed.). La creación artística como cuestionamiento. Debates en IVAM (18-19 mayo 1990). Artistas: F. Abad, J. Brossa, P. Espaliú, etc. Instituto Valenciano de la Juventud. Valencia. 1990. 430 pp. Español/inglés.
Gimferrer. Miró, colpir sense nafrar. 1978: 172-176, sobre su relación con Miró.
Permanyer, Ll. (textos); Levick, Melba (fotografías). Ateliers. Polígrafa. Barcelona. 2000. 225 pp. Catalán. Taller de Joan Brossa (28-47), con ref. Miró en p. 34.
Santos Torroella (dir.). Enciclopèdia Vivent de la Pintura i l’Escultura Catalanes. 1991 annex: 81-92.
Terry, Arthur. Quatre poetes catalans: Ferrater, Brossa, Gimferrer, Xirau. Edicions 62. Barcelona. 1991. 219 pp.
Vallès i Rovira, Isidre. Joan Brossa: les sabates són més que un pedestal. Ed. Alta Fulla. Barcelona. 1996. 451 pp.

Artículos.
Combalía, V. La estela brossiana. “El País” Cataluña (13-VIII-2007) 26.
Montañés, J. Á. Terremoto Brossa. “El País” (29-III-2017). 13 museos y fundaciones se alían con la fundación del poeta para reivindicar su legado con actividades y exposiciones.

miércoles, 20 de septiembre de 2017

La arquitectura renacentista en Lombardía.

La arquitectura renacentista en Lombardía.
Lombardía es una región de confluencia de intercambios comerciales y culturales que posee una larga tradición arquitectónica desde el arte paleocristiano hasta que los Sforza introducen a finales del siglo XV el Renacimiento toscano con artistas florentinos (Leonardo, Bramante, Filarete) que dejan en Milán grandes obras de arquitectura, pintura y escultura.
Las principales innovaciones lombardas en el Renacimiento se dan en la arquitectura y en decoración cerámica.

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Cartuja de Pavía.

La arquitectura lombarda anterior a 1450 se caracterizaba por la preferencia por las plantas complejas, la tendencia a espacios anchos de volumen horizontal, el uso del ladrillo para los paramentos y la profusión decorativa. Ejemplos de ellos son la románica iglesia de San Ambrosio de Milán, la catedral románico-gótica de Milán y la románico-gótico-lombarda Cartuja de Pavía (1396-1465) realizada por Solari, más horizontal que la anterior, con una fachada de tradición lombarda por su hiperdecoración, agrupación de espacios y horizontalidad, y el uso del ladrillo, más la tradición románica en su articulación de arcos ciegos, ventanas coronelas (dos arcos), arquillo entre pisos, y además la temprana influencia clasicista renacentista, con simetría, torres, frontispicio... Los dos maestros principales son Filarete y Bramante.

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Filarete. Proyecto de Sforzinda.

Filarete (c. 1400-c. 1469) es contratado c. 1451 por Francesco Sforza (1450-1466), colabora en la fachada y las cúpulas de las torres del Castello de los Sforza en Milán. En el Hospedale Maggiore (c. 1460-1465) de Milán usa la planta centralizada y es un arquetipo de los hospitales renacentistas y barrocos italianos y españoles y del mismo El Escorial, con su planta de cuatro patios cuadrados con las alas dispuestas en cruz, con un espacio rectangular que separa los dos lados, con una iglesia en el centro. La fachada exterior presenta tres pisos, una fusión de la concepción espacial toscana con la decoración lombarda gótica. Filarete es famoso como teórico por su Tratado de Arquitectura (1461-1464) y su proyecta de la ciudad ideal de «Sforzinda», con una planta central en estrella.

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Bramante. Trampantojo de Santa Maria presso San Satiro (1470-1483).


Bramante (1444-1514) proviene de una tradición provinciana y asume los planteamientos lombardos y los interpreta a través del nuevo lenguaje clasicista, en su intervención en la ampliación de Santa Maria presso San Satiro (1470-1483), en la que  aumenta fingidamente la cabecera del templo mediante una pintura al trompe-l’oeil para aparentar una iglesia más espaciosa. Es más innovador en la capilla de Santa Maria delle Grazie en Milán en 1492-1493, en la que construye el coro en la cabecera, con una planta de cruz griega, un alto cubo en su espacio central, coronado por una cúpula dentro de un elevado tambor con galerías.

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Bramante. Exterior de la Capilla de Santa Maria delle Grazie (1492-1493).

miércoles, 13 de septiembre de 2017

El artista hispano-uruguayo Joaquín Torres García (1874-1949).

El artista hispano-uruguayo Joaquín Torres García (1874-1949).
Joaquín Torres García (Montevideo 28-VII-1874 a 8-VIII-1949) —firmó con la forma castellana Torres García la mayor parte de sus obras y libros, aunque también usó la forma más catalana de Torres-García e incluso Torres-Garcia—.
Artista hispano-uruguayo con doble nacionalidad, de padre catalán (Torres Fradera) que retornó de Montevideo en 1891, fue educado en Mataró y Barcelona, donde se formó en la Escuela de Bellas Artes de la Llotja. Fue uno de los noucentistas más emblemáticos durante los años 10 en Barcelona, gracias a su encargo de decoración del Salón de Sant Jordi en el Palau de la Generalitat, pero apartado por los cambios en el arte “oficial” catalán a la muerte de Prat en agosto de 1917, se integró en los grupos vanguardistas futuristas y anarquistas, e intentó con una frenética actividad de exposiciones, conferencias y escritos que triunfase un programa modernizador del arte en Barcelona.
Fue miembro junto a Miró, con el que participará en numerosas colectivas desde entonces, de la Agrupació Courbet (1918-1920) y asimismo colaborador del vibracionista Barradas y de Salvat-Papasseit en la revista “Arc Voltaic”. Torres García influyó notablemente en el pensamiento estético de Miró en esta época, con el que su obra tendrá notables afinidades: los fondos monocromos, el gusto por los pictogramas y los motivos celestes, el ajedrezado de las formas...



Debido a su fracaso comercial y la consiguiente penuria, marchó a París en 1920 y a Nueva York poco después, pero sin lograr enderezar sus ventas. Regresó a Barcelona en 1922 y después viajó por Italia y Francia hasta que se instaló en París en 1926-1932, donde fue miembro activo de la abstracción en una breve etapa a finales de los años 20 y principios de los años 30, conoció a Hélion y Mondrian y fue uno de los fundadores de los grupos “Cercle et Carré” (1930) y “Abstraction-Création” (1932-1936), al segundo de los cuales invitó sin éxito a Miró.
Residió en Madrid en 1932-1934, hizo algunos viajes a Barcelona y partió definitivamente a Uruguay en 1934, donde por fin alcanzó un destacado éxito como artista, profesor y teórico del arte moderno, dejando a su muerte una sólida influencia sobre sus contemporáneos latinoamericanos. Su esposa Manolita Piña le sobrevivió hasta 1994 (falleció a los 111 años).

Fuentes.
Internet.
Exposiciones.
<Torres-García 1874-1949>. París. Musée d’art moderne de la ville de Paris (11 junio-18 agosto 1975). Cat. 96 obras.
<Torres-García: estructura-dibuix-símbol>. Barcelona. FJM (13 marzo-4 mayo 1986). Cat. 143 pp. Textos de Margit Rowell; et al.
<Torres García>. Madrid. MNCARS (junio-agosto 1991). Valencia. IVAM (septiembre-noviembre). Cat. 205 pp. Textos de Margit Rowell, Tomàs Llorens...
<Torres García>. Madrid (1991). Cat. Cronología de Cecilia Buzio.
<La escuela del Sur. El taller Torres-García y su legado>. Madrid. MNCARS (julio-agosto 1991). Cat. 291 pp. Texto de Mari Carmen Ramírez.
*<Las vanguardias en Cataluña 1906-1939>. Barcelona. La Pedrera (16 julio-30 septiembre 1992). Cat. Minguet, Joan M. Cronología crítica: 487-489.
<Torres García>. Valencia. IVAM (1997), sobre los juguetes de los años 20.
*<Abstracción. El paradigma amerindio>. Bruselas. Palais de Beaux-Arts (29 mayo-16 septiembre 2001). Valencia. IVAM (18 octubre 2001-7 enero 2002). Cat. Texto de César Paternosto. Torres García (72-79).
<Joaquín Torres-García: un monde construit>. Estrasburgo. Musée dArt Moderne et Contemporain (24 mayo-8 septiembre 2002). Cat. 255 pp. Textos de Emmanuel Guigon; et al. Especialmente sobre su relación con Miró véase Ñeric Darragon. Torres-García, une utopie (41-78), p. 46-49. Pasa a <Joaquín Torres-García. Un mundo construido>. Madrid. Fundación ICO (22 octubre 2002-12 enero 2003). Se amplia en <Torres-García>. Barcelona. Museo Picasso (24 noviembre 2003-11 abril 2004). 302 obras más documentos. Cat. Textos de E. Guigon (comisario); et al. 329 pp.
*<La vanguardia cotidiana. Torres García y Barradas>. Pontevedra. Museo de Pontevedra (julio-2 septiembre 2007). Reseña de Fernández-Cid, Miguel. Torres García-Barradas, amistad, admiración y respeto. “El Cultural” (19 a 25-VII-2007) 33.
*<Barcelona and modernity. Picasso, Gaudí, Miró, Dalí>. Cleveland. Cleveland Museum of Art (2006-2007). Cat. Morse, Jed. Art-Evolució and Vibracionismo: Torres-García, Barradas, and an Art of Higher Consciousness (333-337).
*<Del futuro al pasado. Obras maestras del arte contemporáneo>. Zaragoza. Patio de la Infanta, Ibercaja (2008). Cat. textos de De la Torre, Alfonso. Biografía (632-633). Joaquín Torres-García. La liberación del artista (633-636). Battegazzore, Miguel Ángel. El lado oculto del universalismo constructivo / desvelamiento e inefabilidad de los signos (637-638). Durán Ucar, Dolores. Hombres, héroes y monstruos (638-639).
<Torres-García en sus encrucijadas>. Barcelona. MNAC (18 mayo-17 septiembre 2011). Comisario: Tomàs Llorens. Reseña de Martí Font, J. M. Torres-García = clasicismo-vanguardia. “El País” (18-V-2011) 39. Vidal Oliveras, Jaume. Torres-García, gabinete inédito. “El Cultural” (10-VI-2011) 30.
<Joaquín Torres-García. The Arcadian Modern>. Nueva York. MOMA (25 octubre 2015-15 febrero 2016). Madrid. Fundación Telefónica (19 mayo-11 septiembre 2016). Málaga. Museo Picasso (otoño 2016). 170 obras (11 no se vieron en Nueva York). Comisario: Luis Pérez-Oramas. Reseña de Crespo, Irene. Torres-García, el moderno primitivo. “El País” (19-X-2015) 23. / Casamartina, Josep. Torres-García cotitza a Nova York“El País” Quadern 1.605 (22-X-2015) 1-3. García-Sedas, Pilar. Arcàdia, utopía i paradís perdut (2-3). Ibarz, Mercè. La descoberta de si mateix (3). / García, Ángeles. El mundo fascinante de Torres-García. “El País” (19-V-2016). / Parreño, José María. Torres-García es nuestro norte“El Cultural” (27-V-2016).

<Joaquín Torres-García y el objeto, arte y diseño>. Madrid. Galería Guillermo de Osma (15 septiembre-11 noviembre 2016). Reseña de Muñoz Molina, A. Retornos de Torres-García. “El País” Babelia 1.297 (1-X-2016).

Libros.
Antolín Paz, M. (dir.). Diccionario de pintores y escultores españoles del siglo XX. 1994: 4225-4228.
Bénézit, E. Dictionnaire des peintres, sculpteurs, designateurs et graveursGründ. París. 1976. 10 vols. Reed. Jacques Busse (dir.). 1999. 14 vols. vol. 13, pp. 735-736.
Bonet, J. M. Diccionario de las vanguardias en España (1907-1936). Alianza. Madrid. 1995: 598-600.
Bozal, vol. Pintura y escultura españolas del siglo XX (1900-1939). 1992: 530-534.
Jardí, Enric. Torres García. Polígrafa. Barcelona. 1973. 286 pp.
Torres García, Joaquín. Historia de mi vida. Paidós. Barcelona. 1990 (1939). 234 pp. Autobiografía hasta 1934.
Torres García, J. Universalismo constructivismo. Alianza Forma. Madrid. 1984 (1944). 2 vols.
Torres-García, J. Escrits sobre art. Edicions 62. Barcelona. 1980. 234 pp.
Torres García, J. Documentos. Madrid. MNCARS. s/f. Cajita con facsímiles de documentos de y sobre Torres-García.
Sureda, Joan. Torres García. Pasión clásica. Akal. Madrid. 1998. 308 pp. Un libro de referencia sobre su periodo de formación hasta 1927 y su evolución desde el clasicismo mediterráneo hacia la vanguardia.
Artículos.
AA.VV. Especial Torres García. “El País”, Quadern nº 445 (20-VI-1991).
Casamartina i Parassols, Josep. La desafortunada història dels murals de Torres-García. “El País” Quadern 1059 (26-II-2004) 1-3.

lunes, 11 de septiembre de 2017

El artista holandés Vincent Van Gogh (1853-1890).

El artista holandés Vincent Van Gogh (1853-1890).

Vincent Willen van Gogh (Groot-Zundert, Brabante Septentrional, Holanda, 30-III-1853-Auvers-su-Oise, Francia, 28-VII-1890). Pintor holandés. De temperamento apasionado e idealista, primero estudió teología con la intención de ser misionero hasta que en 1880 decidió ser artista, para lo que estudió en Bruselas y Amberes, aunque su formación fue sobre todo autodidacta.

Probable foto de Van Gogh (el tercero por la izquierda), en conversación con amigos en 1887. [http://www.thisiscolossal.com/2015/06/is-it-you-van-gogh/]

Vivió en París (1886-1888) con su hermano Theo, que trabajaba en una galería y que fue su principal apoyo económico, y allí contactó con los pintores impresionistas y neoimpresionistas, siendo amigo entre otros de Cézanne. Practicó temporalmente el puntillismo en casi todo su periodo parisino.
En busca del sol mediterráneo se trasladó a Arlés (Provenza) en 1888, donde recibió la visita de Gauguin (octubre-diciembre) que le trastornó. Fue recluido en el manicomio de Saint-Rémy, del que salió en 1890 para residir en Auvers, donde se suicidó de un disparo.
Mentalmente enfermo gran parte de su vida (padeció esquizofrenia y/o sífilis, según la mayoría de los analistas), se desahogó en la creación. Autor de un arte ebrio de pasión, poseído por la locura de la creación, quiere poseer la luz y la vida; veía con los ojos y expresaba sus sentimientos con el pincel, lo que le distinguía claramente de los impresionistas, por lo que es definido comúnmente como postimpresionista.

Autorretrato.

Noche estrellada (1889). Col. MOMA, Nueva York.

Sus temas favoritos serán en Holanda los sociales y de la vida cotidiana de los campesinos, mientras que en Francia destacarán sus bodegones, retratos (incluyendo sus sinceros autorretratos) y, sobre todo, sus paisajes llenos de luz y un color vivo e irreal pleno de expresividad y simbolismo. Ya la crítica de su época se asombró de que no pintara cosas sino sentimientos. Además fue un experimentador atrevido que practicó el puntillismo en su periodo parisino (1886-1888) y estimó el arte japonés como fuente de inspiración.
Van Gogh es en suma un puente entre el impresionismo y el expresionismo, y un modelo de dedicación para los artistas vanguardistas. 
Después de su muerte por suicidio sus obras, gracias al esfuerzo de su cuñada (su hermano Theo falleció seis meses después que él), fueron por fin valoradas por la crítica y los coleccionistas, que le encumbraron como prototipo del artista apasionado y heroico.
Se sucedieron las exposiciones antológicas en la Galerie Bernheim-Jeune de París(1901), el Salon des Indépendants (1905) y el Stedelijk Museum de Amsterdam (1905), y esta última fue su consagración.

Fuentes.
Internet.
Exposiciones.
*<English Influences on Vincent Van Gogh>. Nottingham. University (1974-1975). Cat. 80 pp.
 <Van Gogh à Paris>. París. Musée d’Orsay (5 febrero-15 mayo 1988). Textos de Cachin, F.; et al. Especial “Beaux Art”. 58 pp.
<Vincent Van Gogh>. Amsterdam. Van Gogh Museum (1990). Julio Ollero, ed. Madrid. 1990. 2 vols. I. Pinturas. 292 pp. II. Dibujos. 336 pp. Textos de Leeuw, Ronald; et al. La mayor retrospectiva.
*<De Van Gogh à Mondrian. Art Pays-Bas XXe siècle>. París. Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (25 marzo-21 junio 1994). Cat. 342 pp.
<Van Gogh y Gauguin>. Amsterdam. Van Gogh Museum (2002).
<El museo imaginario de Van Gogh>. Amsterdam. Van Gogh Museum (14 febrero-15 junio 2003). 200 obras de artistas admirados por Van Gogh, desde Rembrandt a Seurat.
<Vincent Van Gogh y el arte contemporáneo>. Amsterdam. Van Gogh Museum (27 junio-12 octubre 2003). Sobre la influencia del artista entre los pintores contemporáneos.
<Van Gogh. Los últimos paisajes>. Madrid. Museo Thyssen-Bornemisza (12 junio-16 septiembre 2007). 27 obras de de la etapa final de Van Gogh en Auvers-sur-Oise (20 mayo a 29 julio de 1890), más tres de Cézanne, dos de Pissarro y una de Daubigny. Comisario: Guillermo Solana. Cat. 201 pp. Reseñas de Lucas, Antonio. El Museo Thyssen prepara la primera gran exposición española de Van Gogh. “El Mundo / El Día de Baleares” (14-V-2007) 73. Calvo Serraller, F. Van Gogh: punto final“El País” Babelia 813 (23-VI-2007) 19.
<Van Gogh and the colours of the night>. Amsterdam. Van Gogh Museum (13 febrero-7 junio 2009). 32 pinturas, 19 dibujos y cinco bocetos. Reseña de Isabel Ferrer. Van Gogh ‘la nuit’. “El País” (16-II-2009) 30.
<Van Gogh en Amberes y París, nueva perspectiva>. Amsterdam. Museo Van Gogh (22 junio-18 septiembre 2011). 93 obras. Reseña de García, Ángeles. La clave está en la oreja (de Van Gogh). “El País” (22-VI-2011) 41.
<Van Gogh en su taller / Van Gogh at work>. Ámsterdam. Museo van Gogh (1 mayo 2013-12 enero 2014). 200 obras y objetos. Reseña de Ferrer, Isabel. La tozuda verdad del genio pelirrojo. “El País” (2-V-2013) 43.
<Van Gogh>. Brabante. Museum Noorbrabants (2014). Reseña de Ferrer, Isabel. Van Gogh vuelve a casa. “El País” (18-I-2014) 31.
<Van Gogh au Borinage>. Mons. Museo de Bellas Artes (25 enero-17 mayo 2015). 160 dibujos de 1878-1879 en Mons. Comisario: Sjraar Van Heugten. Reseña de Domínguez, Belén. El negro Van Gogh de los mineros. “El País” (16-III-2015) 42.
<Al borde de la locura. Van Gogh y su enfermedad>. Ámsterdam. Museo Van Gogh (2016). Obras de los últimos 18 meses (1889-1890), cuando sufrió sus peores enfermedades. Reseña de Ferrer, Isabel. Van Gogh no alucina cuando pinta. “El País” (13-VII-2016).

Libros.
Amann, Per. Van Gogh et ses contemporains. IAM. Paris. 1987.
Bonafoux, Pascal. Van Gogh, cegado por el solAguilar. Madrid. 1990. 175 pp.
Cabanne, Pierre. Van Gogh. Thames & Hudson. Londres. 1963 (1961 francés). 288 pp.
Hulsker, Jan. The new complete Van Gogh. J.M.Meulenhoff / John Benjamins. Amsterdam. 1996. Un catálogo muy actualizado.
Huyghe, René. Van Gogh. Flammarion. Paris. 1977.
Jong, Casper de. Vincent van Gogh. Selección de obras de la Fundación Vincent van Gogh. Musée National Vincent van Gogh. Amsterdam. 1973. 122 pp.
Krauss, André. Vincent van Gogh. Studies in the Social Aspects of his WorkUniversidad de Gotegorb, Suecia. 1983. 205 pp.
Mettra, Claude. Van Gogh. Le vertige du absoluPhilippe Lebaud. París. 1997. 128 pp. 30 ilus.
Krauss, André. Vincent van Gogh. Studies in the Social Aspects of his WorkUnivers
Milner, Frank. Van Gogh. Libsa. Madrid. 1992. 109 pp.
Neumannova, Miloslava. Van Gogh. Dibujos. Polígrafa. Barcelona. 1987.
Rewald, J. El postimpresionismo. De Van Gogh a Gauguin. Alianza Forma. Madrid. 1982 (1956). 530 pp.
Tazartes, Maurizia; et al. Los impresionistas y los creadores de la pintura moderna. Rousseau - Gauguin - Van Gogh - Seurat. Ed. Carroggio. Barcelona. 2000: 129-197.
Tralbaut, Marc Edo. Van Gogh. Le mal aimé. Lazarus. París. 1969. 349 pp.
Uhde, W. Van Gogh. Phaidon. Oxford. 1981 (1951). 31 pp. 48 ilus.
Van Gogh, Vincent. Cartas a Theo. Labor. Barcelona. 1987.
Van Gogh, Vincent. Vincent Van Gogh por sí mismo. Ed. de Bruce Bernard. Plaza & Janés. Barcelona. 1987 (1985).
Van Gogh, Vincent. Cartas a Van Rappard. Parsifal. Barcelona. 1992. 204 pp.
Vedovello, Franco. Van GoghGredos. Madrid. / Zurcher, Bernard. Van Gogh. Vie et oeuvre. Office du Livre. Friburgo. 1985. 326 pp.

Artículos.
Bailey, Martin. Probabilmente falsi almeno 45 van Gogh. “Il Giornale dell’Arte”, año 14, nº 156 (VI-1997) 78-84.
García Sánchez, Laura. Tormenta van Gogh. “Historia 16”, año 27, nº 325 (V-2003) 8-32. Un resumen biográfico.
Pascual, Carlos. Setenta cuadros en setenta días. Visita a Auvers-sur-Oise, el pueblo de las afueras de París donde se refugió Van Gogh. “El País”, El Viajero 423 (25-XI-2006) 5.
Cotter, Holland. El arte de Van Gogh en sus propias palabras. “The New York Times”, reprod. en especial de “El País” (18-X-2007) 11. La correspondencia de Van Gogh y Émile Bernard.
Ferrer, Isabel. Van Gogh aparece en una caja griega. “El País” (17-I-2008) 47.
García, Ángeles. ¿Y si Van Gogh no se suicidó? “El País” (10-XII-2012) 35. Los biógrafos Steven Naifeh y Gregory White Smith sostienen que el tiro mortal fue accidental.
Ferrer, Isabel. Un ‘van gogh’ (en 3D) por 25.000 euros. “El País” (26-VIII-2013) 31. El Van Gogh Museum de Ámsterdam vende las primeras copias en 3D de pinturas, de extraordinaria fidelidad al original, abriendo un nuevo mercado.
Ferrer, Isabel. Otro ‘van gogh’ para la historia del arte. “El País” (10-IX-2013) 38. Se confirma la autoría de Van Gogh para el paisaje Puesta de sol en Montmajour (1885).
Ferrer, Isabel. La paleta de Van Gogh se desvanece. “El País” (8-XII-2014) 27.
Parreño, José María. Siempre Van Gogh. “El Cultural” (31-VII-2015) 24-25. El Año Van Gogh se celebra con exposiciones.
Ferrer, Isabel (texto); Driessen, Marc (fotos). Van Gogh. Un asunto de familia. “El País” Semanal 2.031 (30-VIII-2015) 50-55. Entrevista a su sobrino bisnieto, Vincent Willem van Gogh (1953), sobre su legado.
Ferrer, Isabel. Van Gogh pintó a sus enemigos. “El País” Babelia 1.295 (17-IX-2016). Un equipo de especialistas determina en un simposio que un brote psicótico (producido probablemente por la gonorrea o la sífilis) fue determinante para que el pintor se cortase la oreja. Pintaba en sus cuadros a sus enemigos: la botella de alcohol y la pipa de tabaco.

Vicente, Álex; Ferrer, Isabel. ¿Esto es de Van Gogh? “El País” (16-XI-2016). Los expertos del Museo Van Gogh de Ámsterdam rechazan la autenticidad de 65 dibujos atribuidos al artista por otros especialistas y publicados en un libro.



viernes, 8 de septiembre de 2017

Comentario: Escultura Augusto de Prima Porta.

Comentario: Escultura Augusto de Prima Porta.

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Descripción.
Augusto de Prima Porta es una estatua de unos dos metros del emperador Augusto, descubierta el 20 de abril de 1863 en la Villa de Livia, cerca de la Prima Porta de Roma, donde la viuda se refugió al fallecer él en 14 dC. Actualmente se exhibe en los Museos Vaticanos.

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Copia policromada.

Es una figura de bulto redondo policromada puesto que aún conserva restos de los colores originales (dorado, púrpura, azul y otros) en la copia tallada en mármol a partir de un original en bronce y oro. Se considera que Livia ordenó la copia hacia el 20 dC a partir del original, que formaría parte de un monumento conmemorativo de las victorias del emperador que probablemente se erigió en 19 dC por orden del Senado durante el imperio de su sucesor, su hijo adoptivo Tiberio. Podemos especular que se situaría en el Campo de Marte cerca del Ara Pacis u otro lugar de especial relevancia pública como su Mausoleo o el Foro romano.

Análisis.
La estatua es un retrato idealizado de Augusto, mostrado como un adulto relativamente joven, del tipo toracato —vestido de militar y con coraza adornada—. Augusto sostiene un bastón de mando consular y levanta la mano derecha en una pose de  mostrar a sus tropas la corona de laurel del triunfo. 

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La coraza tiene relieves que narran la protección a Roma de sus dioses, como la diosa Tellus (Madre Tierra) en la parte inferior o el dios Caelus en la superior y en medio el bélico Marte, así como la personificación de los últimos territorios conquistados, probablemente Galia (una matrona con símbolos celtas) e Hispania (otra matrona sentada, con la espada hispánica) —algunoso autores consideran que ambas mujeres podrían ser Germania y Dacia, pero lo considero improbable porque en el 19 dC ambos países no habían sido sometidos—, y el temible reino de Partia, que había tomado como botín las águilas de las legiones a Craso en la batalla de Carras en 53 AC, y que por un tratado devolvió en 20 aC estos emblemas a Roma (aquí representada como la pareja de Marte y la Loba). Sobre ellos, en el Cosmos superior, aparecen los carros del Sol y la Luna, bajo el manto de Caelus, y dos de los dioses favoritos del emperador, Apolo, con su lira y montado en un grifo, y Diana, con su carcaj de flechas y montada sobre un ciervo. En suma, desde la Tierra al Cielo, los dioses se alinean con Roma y dan su apoyo al emperador.

La estatua se caracteriza por un equilibrio entre el idealismo y el realismo.
La idealización de Augusto se relaciona con la influencia griega, en concreto del modelo del famoso Doríforo de Policleto, una obra del periodo clásico del siglo V aC, que enseñó a sus sucesores su canon y su disposición en contrapposto que crea diagonales entre los miembros tensos y los relajados, representados con un estudio anatómico excelente.

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Doríforo de Policleto, con su canon de proporciones.

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Orador. Estatua etrusca de época romana republicana.

Pero hay sutiles diferencias que corresponden al realismo característico de la estatuaria propiamente romana y la influencia etrusca en sus orígenes, teniendo como arquetipo al Orador (o Arringatore) de la cercana época republicana, buscando armonizar su sentido de la realidad con la voluntad clasicizante del ideal. Así, la minuciosidad realista de los detalles del rostro casa con la representación ideal de las tranquilas facciones, mientras su conocido flequillo corona su mirada sombría casi ensimismada como la de los héroes griegos, el drapeado en altorrelieve del paludamentum  convive con detalles idealizantes como el que el emperador vaya descalzo, como los antiguos héroes olímpicos que ya han ascendido al Olimpo (un sutil señal de que el retrato se esculpió post mortem), y este ensalzamiento divino, propio de una familia que se decía descendiente de la diosa Venus y de su hijo, el héroe Eneas, se remarca con un Cupido o Eros montado sobre un delfín y que acaricia la pierna del emperador, lo que desliza además un elemento fundamental en la argumentación política de la época: Octavio Augusto era el sobrino, hijo adoptivo y sucesor del gran Julio César, que había sido divinizado a posteriori.

Significado.
La idealización de Augusto se corresponde con la voluntad propagandística del género del retrato imperial, en una época posterior a su muerte, en la que Augusto, modelo del gobernante perfecto en la guerra y en la paz, se convierte en icono propagandístico de los bienes que la institución imperial otorga a Roma y fuente de legitimación de los herederos de su dinastía Julia-Claudia. El arte en su comunión con la ideología.

El tipo toracato de esta estatua fue uno de los más usados en la propaganda imperial y otros fueron el tipo  apoteósico (semidesnudo en alusión a que ya ha fallecido y es un semidiós, aunque también se podía señalar esta condición si iba descalzo), velado o capite velato (con el vestido sacerdotal del Pontifex Maximus y con el velo en la cabeza correspondiente a los oficios sagrados como vemos en el retrato de Augusto del Museo de las Termas de Roma), togado (vestido con toga senatorial como máxima autoridad del Senado tal como el retrato de Augusto como pretor en el Museo del Louvre de París), ecuestre (montado a caballo como la estatua de Marco Aurelio), montado sobre carro triunfal (se ponían en lo alto de los arcos de triunfo pero apenas nos quedan representaciones en monedas porque en los saqueos se fundieron los originales)...

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Augusto coronado con el laurel de la victoria.


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Augusto en apoteosis.

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Augusto como Pontífice Máximo (Augusto de Vía Labicana).

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Augusto velado como sumo sacerdote.


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Augusto en su carro de triunfo.


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Claudio en su carro de Triunfo.


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Retrato ecuestre de Calígula.

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Retrato ecuestre de Marco Aurelio.

FUENTES.
Internet.

Documentales.

Augustus Prima Porta. Cinco minutos. Smarthistory. Excelente resumen.


L'Augusto di Prima Porta. Dos minutos. El traslado de la estatua a una exposición en el Louvre.